Loving Vincent

   

¡Por fin volvernos a encontramos después de dos meses! La universidad, ya te podrás imaginar...

Esta vez te traigo un post sobre Loving Vincent, una película que se realizó este 2017 y que por fin se estrenará en España el 12 de enero de 2018, gracias a la productora  Karma Films. 

Primero hablaremos de Vincent van Gogh, para situarnos un poco en la trama. Fue un pintor neerlandés que vivió en la segunda mitad del 1800. Es considerado actualmente por los historiadores del arte como el padre de la pintura moderna, pero en vida, aun habiendo pintado unos 900 cuadros, solo logró vender una obra (a su hermano Theo, que le compró la obra a escondidas para darle una alegría) y vivió en la pobreza. Nadie valoró su arte en vida, pero influyó enormemente en los artistas del siglo XX. Sabiendo esto se puede entender claramente la reacción que tiene Van Gogh al visitar la galería en la que están expuestas sus obras en el episodio 10 de la quinta temporada (2010) de la serie Doctor Who:

Fue autodidacta. Desde joven tuvo predilección por el dibujo, de hecho, su primer trabajo fue en una galería de arte. En su vida estuvo muy presente la religión y llegó a ser pastor protestante. En su marcha como misionero comenzó a dibujar a la gente de la comunidad. Su primera gran obra data de 1885, Los comedores de patatas. 

La relación con su familia no fue muy agradable, pero sentía un gran afecto y admiración por su hermano Theo van Gogh, el cual era marchante de arte. A su hermano le manda cartas durante toda su vida, y gracias a la recopilación realizada por la mujer de éste, podemos entender mejor la personalidad del artista (se pueden encontrar en el libro Cartas a Theo). 

Van Gogh falleció a los 37 años por una herida de bala en el estómago, que aún no se sabe con certeza si fue un suicidio o un homicidio.

Si te interesa saber más, hay un libro muy completo que incluye tanto vida, como obra. Es Van Gogh. La obra completa - pintura de Bibliotheca Universalis. 

Volvamos Loving Vincent: ésta se trata de la primera película de animación completamente pintada, lo que la hace muy especial. Cada una de las 65.000 tomas que componen este largometraje biográfico es una obra pictórica realizada en óleo (recreando brillantemente la pintura de Van Gogh no solo en cuanto a material se refiere sino a la técnica empleada, los colores también son muy fieles a los utilizados por el artista). En dicho proyecto han trabajado más de 100 pintores. 

Dicho largometraje ha ganado el premio a Mejor Película Animada de los Premios del Cine Europeo en Berlín, ha sido nominada en los Globos de Oro y cuenta con la dirección de Dorota Kobiela y Hugh Welchman. Hasta el 17 de diciembre de 2017, se han recaudado más de 21 millones de dólares alrededor del mundo. 

En cuanto al argumento, cualquiera pensaría que trata sobre la vida de Van Gogh (interpretado por Robert Gulaczyk), pero no solo va de eso, sino también de la muerte del pintor. Un año después de que el artista falleciera, un cartero y protagonista de nuestra historia (por Douglas Booth) es el encargado de entregar la última carta del pintor a su hermano Theo (recordemos las numerosas cartas que Vincent mandó a Theo a lo largo de su vida). 

El joven cartero no conocía demasiado sobre la historia del remitente de dicha carta, pero sí que su padre sentía un gran afecto por él. Durante su aventura, va encontrando a distintos personajes que le van hablando del artista y exponiendo sus teorías sobre su muerte (aunque también le hablan de cómo era, su relación con los demás,...), como por ejemplo la enfermedad mental que sufría, aparte de la soledad a la que se enfrentó al ser repudiado por otros ciudadanos, algunos llegando a atormentar y humillar enormemente al artista. Aunque esto seguía sin explicar su muerte, ya que seis semanas antes envió una carta donde decía que su estado de ánimo era normal (si quieres descubrir el resto, tendrás que ir a verla, no haré spoiler).

Finalmente solo queda dejarte por aquí el trailer:

Espero que te haya gustado mucho el post, aunque haya sido cortito. Si no has visto esta película en versión original, te animo a que vayas al cine a partir del 12 de enero, no te dejará indiferente, visualmente es una película espectacular. ¡Nos vemos el mes que viene! Si te apetece, puedes dejarme tu opinión sobre la película en un comentario en este post o en mi Twitter.

¡Feliz año nuevo!

T.

El laberinto del Fauno

Ya es fin de mes, Halloween, y os lo traigo con una película hispano-mexicana que pega mucho para esta ocasión. De hecho, la incluí en el pequeño hilo que hice de Películas que ver en Halloween.

El laberinto del Fauno (2006) es una película dirigida, producida y escrita por el director, guionista, productor y novelista mexicano Guillermo del Toro, ganador de un premio Goya. Normalmente no suelo tratar este tipo de información en el blog, pero hay que decir que dicha película fue elegida para representar a México en los premios Óscar (ganó tres), también ganó tres premios BAFTA, siete premios Goya, diez premios Ariel, y el premio Sant Jordi a mejor película española. Guau. 

En Estados Unidos recibió el nombre de "Pan's Labyrinth" (el laberinto de Pan), porque la apariencia del Fauno es muy similar a la del semidiós griego Pan.

Esta película fue la que tuvo mejores críticas a nivel mundial en 2006, y es por algo. 

Para quien no haya visto la película, la historia transcurre en la España franquista y va sobre una niña llamada Ofelia (interpretada por Ivana Baquero), quien viaja con su madre (Ariadna Gil) a un pequeño pueblo del norte de España. La madre de Ofelia se casa con el capitán de la Policía Armada (Sergi López), encargado de acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana. La primera noche que pasan allí, Ofelia es visitada por un insecto que la lleva hacia un laberinto y... Ahí es donde empieza la parte que nos interesa. En dicho laberinto Ofelia corre una serie de aventuras y conoce a distintos seres fantásticos, como el Fauno o el Hombre Pálido (ambos interpretados por Doug Jones). Exacto, al contrario de lo que mucha gente piensa, el Fauno y el Hombre Pálido no están hechos a ordenador, sino que son una obra maestra del maquillaje.

Dicho film nos puede recordar un poco a Sleepy Hollow (1999) de Tim Burton, a Alicia en el país de las maravillas, los dibujos de Arthur Rackham, o a las pinturas negras de Francisco de Goya. Por ejemplo, sus similitudes con Alicia en el país de las maravillas son bastante visibles, como por ejemplo el hecho de que, al meterse en un túnel sea llevada a un mundo con seres fantásticos. 

Yo quiero hacer hincapié, sobre todo, en el Hombre Pálido. Guillermo del Toro publicaba en Twitter el 2 de febrero de este año: "El Hombre Pálido representa toda la crueldad institucional que se alimenta de los indefensos. No es accidental que sea a) Pálido, b) Hombre. " Es decir, se puede entender que del Toro lo utilizó como una forma de crítica a la supremacía del hombre blanco. El director fue apoyado por muchos de sus fans, pero también fue acusado de racista y sexista. 

Se cree que este personaje tiene vagas similitudes con Y'Golonac, un dios de los Mitos de Cthulhu, excepto porque tiene ojos en las palmas de las manos en lugar de bocas. 

Lo que sí podemos asegurar, es que Guillermo del Toro se inspiró en las pinturas negras de Goya para este film. Con exactitud, en la obra "Saturno devorando a un hijo", del pintor, para hacer la escena en la que el Hombre Pálido se come a las hadas que acompañan a Ofelia. Dicha obra representa a uno de los titanes de la mitología griega, Cronos (Saturno en la mitología romana), devorando a uno de sus hijos. A parte de que la apariencia del Hombre Pálido sea muy similar a la de Saturno, la forma en que el titán se comía a cada uno de sus hijos conforme nacían y la forma en la que se come el hada el Hombre Pálido, es muy similar. Tanto el hada como los hijos de Saturno, podrían representar la inocencia.

Hay quien ha relacionado al Hombre Pálido con la Iglesia y no sería muy descabellado si atendemos a la explicación de Guillermo del Toro, ya que es hombre y blanco y "representa toda la crueldad institucional" de éste. El hecho de que tenga un banquete delante de él y opte por comerse al hada, es muy significativo. 

El propio director ha confesado "He estado siempre muy influenciado por Goya, especialmente por sus pinturas negras que son, para mí, las más impresionantes." 

Además de esto, el director hizo un guiño a Pink Floyd, ya que la escena donde empieza a salir sangre de un libro después de que Ofelia lo abriese, está inspirada en "Is there anybody out there?" (aquí te dejo el enlace), perteneciente al álbum The Wall.

Por último solo queda poner el tráiler para que le eches un vistazo. Si no la has visto, ¡está recomendadísima!

Espero que te haya gustado mucho el post, ¡y vernos para el siguiente! Para más información me podéis encontrar en Twitter e Instagram.

¡Feliz Halloween!

T.

Margaret Keane

Este mes (me refiero a septiembre, he tenido problemas y no he podido subirlo antes) os traigo una película que precisamente no se la considera como una de las mejores del director Tim Burton, pero creo que es bastante interesante comentarla, así que... Aquí estamos. Esta película es, nada más y nada menos, que Big Eyes (Ojos grandes en Hispanoamérica). Tim Burton se basó en esta película en la biografía de Margaret Keane (interpretada por Amy Adams), haciendo hincapié en el calvario que tuvo que pasar. 

Margaret Keane es una artista estadounidense que actualmente tiene noventa años. Tuvo diferentes etapas como todo artista y en cada una de ellas tuvo una firma distinta, por ciertas circunstancias que se reflejan en la película. Por lo que se podría destacar su obra es por pintar mujeres, niños y animales domésticos con unos ojos exageradamente grandes. Alcanzó gran éxito en los años 60, justo en la época en la que transcurre el largometraje. 

En 1955 se casó con Walter Keane (interpretado por el gran Christoph Waltz) y por fin pintó su primer cuadro profesional en 1959. Walter por aquel entonces tenía un negocio inmobiliario que decidió cerrar para dedicarse a vender los dibujos y grabados de forma masiva. Aquí, su esposo se comenzó a atribuir la autoría de sus obras con la excusa de que Margaret firmaba como "Keane", y el público inmediatamente dio por hecho que Walter era el artista y no su mujer. Su marido en vez de desmentir esto, se atribuyó sus obras y se las daba de artista, la llegó a humillar y hasta la amenazó de muerte.

En un artículo del periódico El País, la artista contaba "Yo era extremadamente introvertida y solo me hacía feliz pintar. Y se aprovechó de eso. Antes de salir de casa me decía cosas como "estás horrible", o, si teníamos una cita "estás mejor con la boca cerrada." Pasaba los días encerrada en casa. Tardé un par de años en darme cuenta de lo que estaba haciendo. Una noche fuimos a un club de jazz donde él vendía los cuadros. Con su ritual habitual, me dijo que me quedara en un rincón y que no hablara con nadie para no avergonzarnos. Hasta que alguien se me acercó, la conversación derivó a la pintura y me preguntó: ¿Así que tú también pintas, como Walter?. Ahí estábamos. En un bar lleno de pinturas mías. Me sentí humillada." Una vez Margaret supo esto, Walter la amenazó con matarla a ella y a su hija si le contaba a alguien lo que estaba pasando, hasta que ella decidió poner tierra de por medio y se fugó a Hawaii. Entonces libró una dura batalla judicial por la autoría de sus cuadros (si quieres saber cómo acaba, tendrás que ver la película). En la foto puedes ver a Walter Keane haciendo el paripé.

Hablemos ahora de la banda sonora. Fue compuesta por Danny Elfman, quien habitualmente trabaja con Tim Burton desde 1985, con La gran aventura de Pee-Wee. También participó Lana del Rey, quien tras participar en las bandas sonoras de películas como Maléfica y El Gran Gatsby, se enamoró de la película en cuanto Tim Burton se la mostró. La cantante decidió participar en la banda sonora con dos canciones "Big Eyes" y "I can fly", esta última aparece en los créditos y no por casualidad, teniendo en cuenta la historia que se muestra. La canción "Big Eyes" muestra de una manera perfecta lo que Margaret sentía en ese momento, atrapando al espectador a mitad de la película. La canción fue nominada en los Premios Óscar. Te dejo ambas para que las escuches:

Realmente ninguna de las dos llega al nivelazo de "Young and beautiful", pero no se quedan muy atrás. Sobre todo la canción "I can fly" tuvo bastante éxito en su momento.

Personalmente me parece una película magnífica solo por la historia que cuenta. Cuando la vi en el cine me enamoré de ella y si no la has visto te recomiendo absolutamente que le eches un vistazo. Como sabes, yo no vengo aquí a hacerte una crítica de una película, sino a contarte su historia, sus entresijos y, con suerte, despertar tu curiosidad. Me parecía muy necesario que, si no conocías a Margaret Keane, lo hicieras.

Solo me queda dejarte el tráiler de la película. Y hasta aquí el post de este mes. Ya sabes lo que dicen, lo bueno si es breve... ¡Hasta la próxima!

T. 

Twin Peaks y Manuel Bartual

Si estás cansadx del interminable hilo de Manuel Bartual, ¡no tan deprisa! Tiene un por qué su relación con este post.

Lo cierto es que la entrada de este mes iba a ir sobre algo totalmente diferente, pero a raíz de una encuesta que realicé en mi cuenta de Twitter, pude observar algo muy curioso. Pregunté sobre varios temas y acabé preguntando sobre si conocíais Twin Peaks a lo que, para mi asombro, la mitad contestó que no la había visto y casi la otra mitad dijo que no sabía de qué trataba o qué era. ¿Por qué me sorprendió tanto? Sencillamente porque recientemente, después de nada menos que veintiséis años, se ha estrenado la tercera temporada de dicha serie, la cual han anunciado a bombo y platillo en la televisión y las redes.

Por otro lado no me extraña tanto que haya gente que no la conozca o no la haya visto ya que esta serie es de 1990 y no la han televisado ni anunciado en ninguna parte desde entonces. 

Como decía hace dos párrafos, el post de este mes no iba a ser sobre Twin Peaks, pero veo absolutamente necesario que conozcáis esta serie, el por qué de tantos años de diferencia entre temporadas y quién es David Lynch, su director. 

Twin Peaks comenzó en abril de 1990 y finalizó su segunda temporada en junio de 1991. Después del paso de los años pude buscar en internet sobre esa serie y ponía que había finalizado, pero no fue así, pronto os lo explicaré.

La trama transcurre en una pequeña ciudad en el noroeste del estado de Washington que le da nombre a la serie. Cuenta la historia de un agente del F.B.I. Dale Cooper, que es invitado a Twin Peaks para investigar el asesinato de la popular estudiante de secundaria Laura Palmer. El primer episodio comienza con el cadáver envuelto de la joven. Conforme va avanzando la serie, Cooper conoce a distintos habitantes de la ciudad que le van dando distintas pistas sobre el caso y le van descubriendo que aquella pequeña ciudad no es tan normal como aparentaba en un principio.

Hace una semana, más o menos, decidí reescribir el post y poco después descubrí ese hilo de las vacaciones de Manuel Bartual, el cual seguramente conocerás. Dicha hilera de tuits comenzaba explicando que se había ido de vacaciones y comenzaron a pasar cosas extrañas como, por ejemplo, que un hombre muy alto había entrado a su habitación de hotel hablando de una forma muy rara y no podía entenderlo. Precisamente en Twin Peaks el agente Cooper recibe varias visitas a su habitación de hotel de un gigante que habla de una forma que no logra entender. Por otro lado, en la cuenta secundaria (la cual no sé exactamente si es fake o real), Manuel ha estado explicando esta mañana que el hombre gigante estaba acompañado esta última vez por un hombre muy pequeño (el cual aparece en la fotografía).

Bartual parece no solo un gran fan de Twin Peaks, sino de David Lynch. Cuando Bartual dice que comienza a ver a su clon, el cual al parecer es maligno y tiene la intención de suplantarle, va a buscarlo al "otro hotel". En una de esas visitas coge un taxi y graba la carretera (aquí os dejo el tuit ). Tal grabación recuerda a los créditos iniciales de Carretera perdida, de dicho director. Este vídeo también podría recordar a la película Twin Peaks: Fuego camina conmigo de 1992 (ayuda mucho a entender la serie, recomiendo verla), también conocido como "Twin Peaks: El diario de Laura Palmer". 

El hecho de que Manuel tuviese un clon también es muy significativo e incluso la existencia de otro hotel idéntico al suyo con clones de los huéspedes. Cuando el clon suplanta a Manuel, éste intenta imitar el comportamiento humano, pero es algo parecido a un robot. Quien haya visto la serie entenderá a qué me refiero. Todo esto, por supuesto, es mi opinión respecto a este fenómeno tuitero. 

Volvamos al principio, ¿por qué han pasado veintiséis años de una temporada a otra? 

A comienzos de la segunda temporada, la cadena ABC obligó a Lynch a desvelar la identidad del asesino de Laura Palmer, lo cual supuso el comienzo del bajón argumental. Para entonces Mark Frost y Lynch pensaron en desarrollar la historia de amor entre Cooper y otro personaje, pero su pareja sentimental en la vida real (la cual también actuaba en la serie) se opuso rotundamente. Se fueron entonces a una investigación dentro de dicho asesinato sobre la Logia negra con ayuda del Sheriff Truman. 

Hacia la mitad de la segunda temporada ambos creadores dejaron abandonada la serie ya que tenían otros proyectos. La dejaron a manos de guionistas y directores de encargo que, a pesar de intentar mantener la esencia del comienzo de la serie, incluyeron argumentos paralelos y una mayor comicidad en los guiones, lo que despertó el desinterés de los fans y, básicamente, fue su sentencia. A comienzos de febrero de 1991 la cadena ABC anunció el cese indefinido de la emisión de la serie. 

Para el último capítulo, Lynch se puso de nuevo a dirigir y realmente lo hizo de una forma magistral, salvando el resto de la temporada. Con este episodio Lynch pretendió ponerle el fin definitivo a la serie. 

Aun asi, tras veintiséis años y tal como pretendía Laura Palmer, volvió Twin Peaks con su tercera temporada. La trama pretende darle una conclusión definitiva a la serie, retomando los argumentos de la anterior temporada pero en la época actual (muy bien llevado en mi opinión), con el reparto de las anteriores temporadas. 

Si te interesa saber más sobre la trama de Twin Peaks, hay un libro magnífico "Twin Peaks, una novela" escrito por Mark Frost, de la editorial Planeta. Es un libro que está realmente bien ya que no es normal y corriente, sino que es algo así como un archivo con todos los documentos de la investigación sobre el asesinato de Laura Palmer, la ciudad y todos los misterios y gente perturbada que la habitan, teniendo todo conexión entre sí. En dicho libro también se pueden encontrar explicaciones a ciertos capítulos un poco "más raros" que parecen no tener sentido (digo raros para entendernos, muy del estilo de Lynch) y adelantos de esta tercera temporada que ya se está emitiendo. Adjunto fotos de dicho libro por si te interesa: 

Personalmente, en un principio confesaré que no me atraía la serie, pero la empecé a ver y realmente me enganchó y la considero una de las mejores series que se han hecho. Si no la has visto aún te animo a que lo hagas y más teniendo en cuenta si has sido unx de esos que se ha enganchado al hilo de Manuel Bartual. 

¡Y hasta aquí todo! Espero que te haya gustado el post y te haya despertado la curiosidad si eres unx de los que votó "no sé qué es", "no sé de qué va" o "no la he visto". Para más información sobre futuros post: Twitter e Instagram. 

¡Hasta la próxima!

T.

Robin Williams

En menos de un mes se cumpliría el tercer aniversario de su muerte y su sesenta y seis cumpleaños. Este año es realmente especial, y pronto sabréis por qué. 

  

Robin McLaurin Williams (1951-2014) fue un actor y comediante estadounidense, conocido por películas como El club de los poetas muertos (1989) o Jumanji (1995). Fue ganador de un Premio Óscar, cinco Globos de Oro y tres Premios Grammy, entre otros. 

 En su filmografía se encuentran películas como: 

El indomable Will Hunting (1997), la cual tuvo nueve nominaciones a los Óscar, ganando los de mejor guión para Ben Affleck y Matt Damon y mejor actor de reparto para Robin Williams. El actor interpreta el papel de Sean Maguire, un psicólogo que ayuda muchísimo a Will (interpretado por Matt Damon) a cambiar su forma de ver la vida. 

Jumanji (1995), la cual protagoniza Robin Williams. Esta película está basada en un relato infantil de treinta y dos páginas publicado por Chris Van Allsburg en 1981. Contó con siete guiones diferentes por nueve guionistas, entre los que estuvo el que escribió el propio autor del libro. 

Williams interpreta a Alan Parrish, un niño que queda atrapado en el juego de Jumanji. 

El club de los poetas muertos (1989). Es una adaptación cinematográfica del libro homónimo escrito por Nancy H. Kelinbaum, el cual trata sobre la relación de un profesor de literatura (Robin Williams) con sus alumnos. Dicho profesor va por primera vez a dar clases a la institución, la cual cuenta con mucho prestigio y es muy estricta. La llegada de ese profesor de literatura cambia por completo la vida de un grupo estudiantes. 

Mrs. Doubtfire (1993), basada en la novela Alias Madame Doubtfire de Anne Fine y está protagonizada también por Williams. Acabó ganando un Óscar, dos Globos de Oro y fue decisiva en la carrera del actor. Williams interpreta a Daniel Hillard, un padre que pierde la custodia de sus hijos tras su divorcio. Para poder volver a verlos, se le ocurre disfrazarse de una adorable ancianita que hará de canguro para sus hijos. 

Robin Williams cuenta con una filmografía de más de setenta películas, entre las que ha tenido papeles como actor de reparto, protagonista o como actor de doblaje. A pesar que se hayan nombrado las más conocidas, también fue muy valorado en su doblaje como Genio en la película Aladdin (1992) o su papel protagonista en Más allá de los sueños (1998). Tampoco habría que olvidar películas como El hombre bicentenario (2000) o Flubber y el profesor chiflado (1997), menos valoradas, pero realmente conocidas entre el público -sobre todo infantil- de la época.

También participó en series de televisión como F·R·I·E·N·D·S en 1997 o Bob Esponja en 2009, entre muchas otras.

Consta que estuvo trabajando hasta el mismo año de su fallecimiento. El 11 de agosto de 2014, Robin Williams se ahorca con un cinturón en su casa de Tiburón, en el área de la Bahía de San Francisco, California. Recuerdo que cuando vi hace tres años la noticia en la televisión, los medios aludieron el suicidio a la depresión y a sus problemas con el alcohol y las drogas. Nada más allá de la realidad.

Sí que es cierto que el actor tuvo problemas con las drogas. Williams entre la década de 1970 a 1980 fue adicto a la cocaína, pero lo terminó dejando tras el nacimiento de su primer hijo y la muerte de un amigo suyo a causa de la adicción. En 2006 entró en un centro de rehabilitación a causa de su alcoholismo, el cual superó en 2011. Es decir, en el año en que se suicidó Williams no consumía drogas y los exámenes toxicológicos mostraron la ausencia de dichas sustancias. Lo único cierto en las noticias que se televisaron aquel día fue que padecía depresión.

Susan Schneider, esposa del actor, declaró en una carta titulada "El terrorista dentro del cerebro de mi marido" las causas verdaderas del suicidio del actor estadounidense. En esta misiva explica el infierno que padeció Williams por su enfermedad, Demencia de los cuerpos de Lewy, cuyos síntomas son similares a los del Alzheimer y el Parkinson. En los últimos meses el actor empeoró considerablemente y empezó a experimentar ataques de ansiedad. Su mujer cuenta cómo el actor se había vuelto paranoico porque la enfermedad evolucionaba a velocidad de vértigo y le quedaban unos tres años de vida. Así es. Este año, de no haberse suicidado en 2014, habría muerto.

Es por esto por lo que quería hacer este post. Esta fecha es realmente especial ya que Robin Williams no solo habría cumplido años un 21 de julio, sino que habría fallecido a causa de su enfermedad. Personalmente me encantaría poder agradecerle al actor todo lo que ha dado a la industria del cine y a nosotrxs mismxs, ya que hemos crecido con sus películas.

Es un actor al que le tengo realmente cariño, y que me hizo emocionarme en mayúsculas con dos de mis películas favoritas como son El indomable Will Hunting y El club de los poetas muertos. Conocer la noticia de su muerte fue algo que me marcó. Por eso, gracias por estas obras de arte, Robin. Gracias por todo y hasta siempre, ¡oh capitán, mi capitán! 

Para más información me podéis encontrar en Twitter e Instagram.                                                     

T.

Donnie Darko

¿Alguna vez has visto la película de Donnie Darko y se te ha quedado cara de idiota al acabarla? Créeme, nos ha pasado a todos. A continuación intentaré explicar más o menos la trama de la película sin hacer spoiler, por si alguien no la ha visto.

Donnie Darko es un thriller psicológico de origen estadounidense estrenado en 2001. Está ambientado en 1988, y cuenta con la participación de Jake Gyllenhaal (Donnie Darko), Jena Malone (Gretchen Ross), James Duval (Frank), Drew Barrymore (Karen, profesora de literatura), Patrick Swayze (Jim Cunningham) o Daveigh Chase (Samantha Darko) quien protagonizó la secuela S. Darko. 

El estreno de dicha película fue un poco complicado. Cuando estaba lista para el estreno, el atentado del 11-S hizo mella, ya que en la película salía cómo un motor de un avión cae sobre la casa de una familia estadounidense. Pero tras salir en VHS y DVD, fue presentada en cines y ha llegado a convertirse en una película de culto.

Como mencionaba anteriormente, el film está ambientado en la época de 1988, en el pueblo de Middlesex (Virginia). Donnie, quien al parecer sufre esquizofrenia, es despertado en mitad de la noche por una voz que le lleva hasta un campo de golf. Allí ve por primera vez a Frank, un conejo gigante con un aspecto inquietante. Al día siguiente, al despertar en ese campo de golf y volver a su casa, Donnie descubre que una turbina de un avión había caído justo encima de su habitación. Así empieza esta historia.

Al llevar a Donnie al campo de golf, Frank le dice exactamente: "28 días, 06 horas, 42 minutos, 12 segundos. Entonces será cuando se termine el mundo". ¿Por qué exactamente veintiocho días, seis horas,...? ¿Quién es Frank? ¿Por qué lo lleva hasta el campo de golf? ¿Por qué se va a acabar el mundo?

Esta película plantea algo que nos hemos preguntado todos alguna vez: ¿Existe el destino? Si es así, ¿podemos huir de él? ¿Realmente tomamos nuestras propias elecciones o estaba ya escrito así? 

Destrucción de la realidad tangente 

Hay un momento de la historia en la que se crea una realidad alternativa que debe ser destruida, ya que nunca debió formarse. Donnie estaba en el lugar equivocado en el momento equivocado, por eso tiene que ser el responsable de cerrar este universo alternativo y dar sentido al primario. 

Por sus propios intereses, en esta tarea le ayudará el siniestro conejo Frank, que nadie sabe de dónde ha salido. El conejo crea todo un plan para poder asegurarse de que esta realidad es destruida. Es entonces cuando le manda una lista de tareas a Donnie que debe realizar y que se van viendo a lo largo de toda la película.

En esta realidad paralela Donnie tiene la oportunidad de conocer a distintas personas que influirán más o menos en la toma de sus decisiones. 

Viajes en el tiempo y el destino

El mundo tiene una serie de "normas" concretas, las llamadas leyes clásicas. Lo que estas nos explican es que el mundo sigue una serie de patrones, no es una sucesión de cosas de forma aleatoria. Hay una que nos interesa especialmente: "Todo objeto en movimiento tiene una trayectoria."

Para poder llevar a cabo esta lista, Donnie es dotado con una especie de habilidades y puede ver el futuro inmediato. O sea, una especie de línea temporal que define la trayectoria que va a seguir el sujeto en movimiento en cuestión. Esa trayectoria se puede observar mediante una especie de lanzas de agua que salen del pecho de la gente, por ejemplo, en la simple acción de levantarse del sofá para ir a la cocina. Lo que esto significa es que esa persona no va por voluntad propia del sofá a la cocina, sino que esa trayectoria ya estaba definida desde el principio. 

Aquí es donde entra Roberta Sparrow (interpretada por Patience Cleveland) y su libro "Filosofía de los viajes en el tiempo". Este libro es muy importante porque precisamente explica los viajes en el tiempo, el destino, la creación de esa realidad tangente de la que hablábamos antes, los agujeros de gusano,... 

Es algo curiosa la forma en la que se tratan estos temas en la película ya que, por un lado, nos deja abierta la posibilidad de distintas realidades según las acciones de cada uno. Lo que se llama libre albedrío. Sin embargo, Donnie debe destruir una de esas realidades alternativas a la "original", por llamarla de alguna manera, porque la que realmente debe ser es la primera. Podría parecerte contradictorio, pero no lo es. A esto hay que sumarle la aparición de Frank. Es decir, la película deja abierta la posibilidad de un futuro que no está escrito, pero... ¿Qué pasa cuando uno de los sujetos afectados por este universo alternativo no está contento con la parte que le toca? Que intenta cambiarla a una realidad en la que sale beneficiado, en este caso la original. 

En el largometraje hay otros personajes que se ven afectados por este cambio de los acontecimientos y Frank se va a aprovechar de esto para convencer del todo a Donnie de que debe cambiar las cosas por el bien de todos. 

¿Es real? 

Como os decía, Donnie sufre de esquizofrenia como bien deja claro el film desde el primer minuto.

La esquizofrenia, para quien no lo sepa, es una enfermedad mental que se caracteriza (entre otras cosas) por que el sujeto que la sufre tiene alucinaciones visuales y/o auditivas. Esto depende del grado en el que se encuentre el paciente y muchas más cosas. Esta enfermedad es más complicada que todo esto, y evidentemente yo no soy experta, pero pretendemos quedarnos con la parte que nos interesa. En algunos casos, el sujeto debe medicarse y Donnie... A veces se "olvidaba" de tomar su medicación.

Bueno, ¿qué piensas? ¿Crees en el destino? ¿En los viajes en el tiempo? ¿Todo esto que te acabo de contar es real o no? ¿Frank existe o es una alucinación? Si no has visto la película, ya estás tardando. 

Espero que te haya gustado este post, ¡nos vemos en el próximo! 

T.

PD: Son solo rumores, pero me he enterado de que, después del fracaso de S. Darko, Richard Kelly (director), ha dejado en el aire la posibilidad de hacer una secuela de Donnie Darko que realmente esté a la altura. ¿Será cierto? No lo sé, ya os iré informando. 

Para más información sobre futuros post: Twitter e Instagram. 

Los mundos de Coraline

Nota: He dejado enlaces que te llevarán a distintas imágenes por el post. Los verás diferenciados porque están en un color rosado, pero no en negrita. Dicho esto, ¡que lo disfrutes! 

Todxs conocemos la película basada en la novela de Neil Gaiman Coraline (cuya edición con las ilustraciones de la película es una auténtica maravilla), escrita y dirigida por el director Henry Selick, del cual conoceréis películas como Pesadilla antes de Navidad (1993) o James y el melocotón gigante (1996). Efectivamente, si no sabías esto, resulta que Tim Burton no es una rara avis y, además, se le han atribuido películas de Henry Selick como las anteriormente nombradas. Sí que es cierto que Pesadilla antes de Navidad fue producida por Burton, pero no dirigida, como muchísima gente da por hecho. Y es que el nombre de Henry Selick aparece en el merchandisig o bien en letras pequeñas o ni eso. Debido a esto, cuando leemos en los pósters de Coraline "del director de Pesadilla antes de Navidad", todo el mundo piensa en Tim Burton, ¿verdad?

Pero ese no es el tema que nos interesa tratar en este post. 

¿Qué puede salir si mezclamos la pintura manierista, la Noche estrellada (1889) de van Gogh, una película de Vladislav Starévich y Alicia en el País de las Maravillas (1865)? 

Los mundos de Coraline (2009) es más que un film de animación de origen estadounidense. Incluso conozco a más de una persona que no la considera una película "muy allá", de hecho cuando se estrenó no causó mucho revuelo, pero es mucho más. Si no la has visto, esta película trata de una niña que suele llevar siempre un chubasquero y unas botas amarillas. Nuestra protagonista se muda a una vieja casa debido al trabajo de sus padres, dejando a sus amigos, su colegio,... Está muy aburrida porque sus padres viven inmersos en su trabajo, entonces Coraline se encuentra una muñeca que increíblemente es igual que ella... Y ahí es donde empieza todo.

Esta película hace referencia tanto al cine, como al arte plástico y literatura. No te resultará una sorpresa que diga que tiene similitudes con Alicia en el País de las Maravillas. Alicia, al igual que Coraline, curioseando porque no tenía a nadie con quien jugar, se cuela por una especie de túnel que la transporta a un mundo mágico con animales que hablan (el compañero de viaje de ambas es un gato parlante que las ayuda en todo su recorrido), hacen amigos con quienes toman el té, aparecen insectos hechos de chocolate o pan, o la famosa tela de araña. Es aquí cuando hablamos de las referencias a películas del director Vladislav Starévich (también lo podrás encontrar como Ladislaw Starewicz, Wladyslaw, Ladislas,...), quien hizo películas de animación con esqueletos de insectos, aunque también hay una fuerte influencia ahí de Alicia en el País de las Maravillas. 

Te dejo aquí The Cameraman's Revenge de Vladislav Starévich (1912) como ejemplo: 

Ahora hablaremos de arte plástico: La noche estrellada. ¿Dónde se hará referencia a ella? 

Situémonos en la película: Hay un momento en el que Coraline está soñando y se le aparecen los tres ángeles de los niños desaparecidos para hablar con ella. En dicho sueño, se puede apreciar claramente en el fondo que aparece ese guiño a la obra de van Gogh. A pesar de que no pongamos ejemplos hay quien dice que también se hacen guiños a artistas como pueden ser Monet o Degas por la paleta de color, o ciertos elementos en concreto que van apareciendo por el largometraje.

También hay un claro ejemplo del manierismo en la parte de la sorpresa que le prepara el otro padre a Coraline en el jardín (haciendo una de las tres maravillas que se hacen para ella), formando con distintas plantas y alimentos su cara. Justo de eso se encargaban ciertas corrientes del manierismo. Cabe decir que este estilo comenzó como la imitación de la maniera de los grandes maestros como pueden ser Miguel Ángel o Tiziano, pero posteriormente se entendió como una rebelión contra el modelo de belleza renacentista, por lo que los artistas empezaron a pintar "a su maniera". Sus cuadros se caracterizaban por formar retratos con frutas, verduras, hortalizas, flores,... Aunque no por esto todos los artistas manieristas pintaban cuadros con dichas características. 

Por último, aparte de todas estas referencias al arte y sobretodo a artistas impresionistas, no hay que dejar a un lado el hecho de que se hagan tantas referencias al mundo onírico en la película, las cuales pueden relacionarse con tendencias artísticas posteriores a ésta. También aparece la cuestión (como ocurre en Alicia en el País de las Maravillas) sobre qué separa la realidad de lo que no lo es, siendo así el mundo de nuestros sueños más real que el que conocemos en estado de vigilia o viceversa. Esto puede verse en el momento en el que ese mundo sigue siendo real una vez Coraline está despierta. 

Y hasta aquí todo. Esta vez ha sido más breve, pero igualmente espero que haya despertado tu curiosidad si no has visto la película y si la has visto también. ¡Nos vemos en el próximo post! Para más información sobre futuras publicaciones: Instagram y Twitter.

T.

Trainspotting

Acababa de llegar a mi butaca y estaba realmente contenta, por fin habían estrenado la secuela de aquella película que tantísimo me gustaba veinte años después. Fue muy curioso, era raro ver jóvenes en aquella sala de cine. La mayoría de gente rondaba los cuarenta. ¿La generación Trainspotting, tal vez? 

Para quien no las conozca, Trainspotting (1996) y T2 Trainspotting (2017) son dos películas de origen británico dirigidas por Danny Boyle (probablemente os suenen algunas de sus películas como Slumdog Millionaire o Steve Jobs, protagonizada por Michael Fassbender), las cuales están basadas en las obras Trainspotting (1993) y Porno (secuela de Trainspotting publicada en 2002) de Irvine Welsh. 

Trainspotting y T2 Trainspotting parecen a simple vista dos largometrajes sobre, únicamente, la vida de un grupo de amigos quienes solamente tienen en común su adicción a la heroína, pero es más, mucho más. Solo habría que escuchar el monólogo de Mark Renton escrito por el guionista John Hodge, con el que más de uno se sintió identificado. 

Mark hace un listado de más y mas elecciones que uno debe tomar si quiere prosperar en la Gran Bretaña capitalista del momento, este discurso se traduce como una forma de rebeldía a dicho estilo de vida, encontrando refugio en una droga. No obstante, Mark experimenta un cambio importante de conducta durante el transcurso del largometraje. 

Este monólogo tiene mucho más protagonismo en el largometraje que en la obra literaria, acaparando casi todo el protagonismo al aparecer en los primeros minutos y dejando al descubierto gran parte de la personalidad de Renton (interpretado por un icónico Ewan McGregor, al cual recordaréis por su interpretación como Obi-Wan Kenobi en Star Wars). 

No son pocxs espectadores los que aseguraron que Trainspotting les cambió la vida, pero lo que sí es seguro es que cambió por completo el cine británico convirtiéndose también en una de las películas más aclamadas de todos los tiempos. Mostrando la cara más realista de la conocida como cultura de las drogas se puso a la misma altura que, incluso, filmes como Pulp Fiction. 

En su estreno causó mucha controversia al tratar el mundo de las drogas de una forma tan cruda llegando a ser acusada de fomentar el consumo de estas sustancias entre les jóvenes. Lo cierto es que este grupo de yonkis fue una gran influencia para millones de personas, que hoy día son padres en su mayoría, y teniendo un gran impacto no solo en la cultura cinematográfica, sino también en la musical de la época con canciones tan míticas de dicho film como Born Slippy de Underworld, Golden Years de David Bowie o Sing de Blur, aunque el protagonismo aquí es de Iggy Pop con canciones como The Passenger o Lust for Life. Llegó a tener tanto éxito que incluso se sacó un segundo volumen con algunas canciones no incluidas en la película, pero del mismo estilo. 

La forma en la que se promocionó dicha película fue muy innovadora ya que se publicitó repartiendo folletos inspirados en la cultura del club y con carteles con los personajes principales. El único personaje que no salía en dichos carteles era el interpretado por Kevin McKidd (Tommy) ya que se fue de vacaciones, perdiéndose toda la promoción, creyendo que la película no tendría tanto éxito.

Danny Boyle describía esa época como un cambio de pensamiento por lo general, el cual le ayudó muchísimo a la hora de dirigir Trainspotting, que se convirtió en uno de los fenómenos cinematográficos fundamentales para comprender la vida británica de la época. 

En T2 Trainspotting nos encontramos con lo que se podría percibir un cambio en el monólogo de Mark Renton, en el cual uno puede pensar que el rebeldísimo Renton de 1996 que conocíamos, se ha rendido, ha sucumbido a ese modo de vida... ¿O no? 

Realmente Mark no ha cambiado, sigue siendo opuesto al modelo de vida que ya criticaba en el 96, solo que ahora los picos han sido sustituidos por los likes en Instagram, Facebook o Twitter. Se sigue siendo adicto a las drogas, pero a distintas drogas. Todo sigue igual, "Y elige ver cómo la historia se repite", su pasado le persigue. 

Fue un gran suspiro de esperanza que Danny Boyle fuese también el director de esta segunda parte, reuniendo a todos los actores que trabajaron con él en 1996  como Ewan McGregor, Ewen Bremner (Spud), Jonny Lee Miller (Sick Boy) o Robert Carlyle (Begbie), entre otros. Dichos actores confesaron que no aseguraron su participación en la secuela hasta que pudieron leer el guión debido al enorme cariño que tenían al film antecesor (de hecho Ewan McGregor dio un gran salto a partir de su interpretación como Mark Renton). 

Había muchas dudas sobre si esta secuela se rodaba con intención de volver a reunir a esa generación nostálgica ante las pantallas o de captar a una nueva generación. Realmente, T2 Trainspotting fue un verdadero homenaje, muy emotivo, que no puede entenderse si no se ha visto la de 1996. En mi humilde opinión fue una bonita forma de recordar aquel film de hacía veinte años que supuso tal influencia en la cultura joven del momento.

¿Os ha dejado con ganas de más? Aquí os dejo los trailers por si no las habéis visto, espero que os haya despertado curiosidad. ¡Hasta la próxima! Para más información sobre futuras publicaciones: Instagram y Twitter.

T.

Young and beautiful

Seguramente ya conozcas la película El Gran Gatsby (2013) siendo ésta una adaptación (gran adaptación, ya que me he leído la obra y es enormemente fiel) de la novela homónima de F. Scott Fitzgerald. En dicha película contamos con una gran interpretación por parte de Leonardo DiCaprio como Gatsby (a quien también habréis visto en películas como El Aviador, Titanic o El Renacido) y Tobey Maguire como Nick Carraway (muy conocido como su papel en Spiderman o en Las normas de la casa de la sidra), aunque tampoco habría que olvidar a Carey Mulligan, la cual interpreta a Daisy Buchanan de manera espléndidamente dramática. 

Anteriores a esta versión de la obra existían una ópera y numerosas adaptaciones cinematográficas. El proyecto de esta película comenzó hacia, más o menos, 2008, año en el que la revista Variety publicó que se rodaría una adaptación de dicho libro con Baz Luhrmann como director. DiCaprio fue el primero en ser elegido en el reparto, seguido de Tobey Maguire. El papel que estuvo muy discutido fue el de Daisy Buchanan, llegándose a audicionar actrices como Scarlett Johansson, Natalie Portman o Amanda Seyfried, quedándose finalmente Carey Mulligan con el papel.

Si has visto la película, sabrás que transcurre en los años veinte, centrándose en la alta sociedad norteamericana, pero haciendo más hincapié en la figura de un misterioso hombre famoso por su alto poder adquisitivo y las fiestas que solía dar en su enorme mansión, pero no he venido a hacerte un resumen.

El director de dicho film es, nada más y nada menos, que Baz Luhrmann, cuyas obras más conocidas son Moulin Rouge!, Romeo + Julieta (en la cual interpreta a Romeo un DiCaprio de unos veintiún añitos junto a Claire Danes como Julieta) y Australia. Realmente salta a la legua que el Gran Gatsby forma parte de la obra de Luhrmann solo viendo la muy conocida Moulin Rouge! (basada en la ópera de La Traviata de Giuseppe Verdi y en la novela La dama de las camelias del escritor español Alejandro Dumas), en la que salen Ewan McGregor y Nicole Kidman como protagonistas.

El estilo de Luhrmann es muy visible en ambas obras, ya que llega a mezclar épocas de principios del siglo XX de manera muy significativa (año 1900 en Moulin Rouge y principios de 1920 en El Gran Gatsby) con elementos contemporáneos, como puede llegar a ser la música o ciertos detalles visuales, además de la gran gama cromática que usa, de hecho cuando uno ve una de las fiestas de Gatsby o uno de los números en el Moulin Rouge! sabe que está visualizando una película que transcurre a principios del siglo XX, pero hay muchas cosas que le resultan demasiado cercanas si además lo mezclamos con la banda sonora, ¿no te ha pasado? Eso, en mi opinión, es parte de la magia de algunas de las películas de Luhrmann, quien fue capaz de llevar al cine los años veinte como nunca antes se había hecho dándole cierto aire de fantasía que envuelve toda la historia.

Os dejo aquí la escena de una de sus fiestas:

El formato de la película es muy parecido en ambas, teniendo en cuenta que tanto Ewan como Tobey son a la vez personaje y narrador de la historia. Ambas películas comienzan con dichos actores rememorando una serie de vivencias que tuvieron con un personaje al principio misterioso y que acabó siendo sumamente especial para ellos (tanto como para escribir un libro en ambos casos).

El Gran Gatsby, al contrario que en Moulin Rouge!, no es una película musical, aunque cuenta con una banda sonora increíble, obra de Craig Armstrong (junto a la supervisión de Jay Z), quien se ocupó de la música en ambos largometrajes (lo cual también se observa notablemente) con canciones de David Bowie (Nature Boy), Christina Aguilera (Lady Marmalade), Queen (The show must go on), Madonna (Like a virgin) entre muchos otros en el caso de Moulin Rouge! y con temas de Lana Del Rey (Young and Beautiful), Florence + The Machine (Over the love), Goyte (Heart a mess), Sia (Kill and run) entre muchos otros en el caso de El Gran Gatsby, siendo el tema de Lana Del Rey el principal de la película y una de las canciones más escuchadas de la artista.

Hay que decir que dicha canción le viene que ni pintada a la película y se puede ver si se escucha con atención la letra de dicha canción o se observa el vídeo. Lana aparece maquillada y vestida de una forma impecable, como si perteneciese a la alta sociedad de, más o menos, los años 20. Hablemos ahora de la letra. Realmente a me recuerda durante toda la canción a la película, no solo porque esta canción la repitiesen en el filme hasta la saciedad en las escenas más emblemáticas, sino por los guiños que hace la cantante a dicha película con palabras   que nos hacen recordar al sentimiento de rechazo que siente Daisy Buchanan (de la cual está profundamente enamorado Gatsby) hacia su pareja, Tom Buchanan, a la riqueza en la que se movían los personajes, las noches de verano (precisamente la historia transcurre en verano) o al romance entre Gatsby y Daisy. En la historia de El Gran Gatsby, Gatsby seguía enamorado de Daisy después de pasar una gran serie de años sin verla, sin saber de ella. Daisy al parecer lo había olvidad, pero cuando lo ve todo vuelve a surgir, le seguía queriendo. Gatsby reunió toda esa cantidad de dinero realmente por ella, quería darle todo lo que tenía, ¡incluso las fiestas que organizaba eran por ella! 

Como curiosidad, podríamos decir que la canción Young and Beautiful fue también utilizada para anunciar la serie española de televisión Velvet al igual que la canción Blue Velvet, la cual salen cantando ciertos personajes de la serie en algún capítulo.

En el siguiente vídeo se puede ver, en el minuto 1:30.

Y aquí se acabó por hoy. No voy a hacerte spoiler, así que si quieres saber más tendrás que ver la película. Espero que te haya gustado y volver a verte al siguiente. ¡Hasta pronto! Para más información sobre futuras publicaciones: Instagram y Twitter.

T.