Los mundos de Coraline

Nota: He dejado enlaces que te llevarán a distintas imágenes por el post. Los verás diferenciados porque están en un color rosado, pero no en negrita. Dicho esto, ¡que lo disfrutes! 

Todxs conocemos la película basada en la novela de Neil Gaiman Coraline (cuya edición con las ilustraciones de la película es una auténtica maravilla), escrita y dirigida por el director Henry Selick, del cual conoceréis películas como Pesadilla antes de Navidad (1993) o James y el melocotón gigante (1996). Efectivamente, si no sabías esto, resulta que Tim Burton no es una rara avis y, además, se le han atribuido películas de Henry Selick como las anteriormente nombradas. Sí que es cierto que Pesadilla antes de Navidad fue producida por Burton, pero no dirigida, como muchísima gente da por hecho. Y es que el nombre de Henry Selick aparece en el merchandisig o bien en letras pequeñas o ni eso. Debido a esto, cuando leemos en los pósters de Coraline "del director de Pesadilla antes de Navidad", todo el mundo piensa en Tim Burton, ¿verdad?

Pero ese no es el tema que nos interesa tratar en este post. 

¿Qué puede salir si mezclamos la pintura manierista, la Noche estrellada (1889) de van Gogh, una película de Vladislav Starévich y Alicia en el País de las Maravillas (1865)? 

Los mundos de Coraline (2009) es más que un film de animación de origen estadounidense. Incluso conozco a más de una persona que no la considera una película "muy allá", de hecho cuando se estrenó no causó mucho revuelo, pero es mucho más. Si no la has visto, esta película trata de una niña que suele llevar siempre un chubasquero y unas botas amarillas. Nuestra protagonista se muda a una vieja casa debido al trabajo de sus padres, dejando a sus amigos, su colegio,... Está muy aburrida porque sus padres viven inmersos en su trabajo, entonces Coraline se encuentra una muñeca que increíblemente es igual que ella... Y ahí es donde empieza todo.

Esta película hace referencia tanto al cine, como al arte plástico y literatura. No te resultará una sorpresa que diga que tiene similitudes con Alicia en el País de las Maravillas. Alicia, al igual que Coraline, curioseando porque no tenía a nadie con quien jugar, se cuela por una especie de túnel que la transporta a un mundo mágico con animales que hablan (el compañero de viaje de ambas es un gato parlante que las ayuda en todo su recorrido), hacen amigos con quienes toman el té, aparecen insectos hechos de chocolate o pan, o la famosa tela de araña. Es aquí cuando hablamos de las referencias a películas del director Vladislav Starévich (también lo podrás encontrar como Ladislaw Starewicz, Wladyslaw, Ladislas,...), quien hizo películas de animación con esqueletos de insectos, aunque también hay una fuerte influencia ahí de Alicia en el País de las Maravillas. 

Te dejo aquí The Cameraman's Revenge de Vladislav Starévich (1912) como ejemplo: 

Ahora hablaremos de arte plástico: La noche estrellada. ¿Dónde se hará referencia a ella? 

Situémonos en la película: Hay un momento en el que Coraline está soñando y se le aparecen los tres ángeles de los niños desaparecidos para hablar con ella. En dicho sueño, se puede apreciar claramente en el fondo que aparece ese guiño a la obra de van Gogh. A pesar de que no pongamos ejemplos hay quien dice que también se hacen guiños a artistas como pueden ser Monet o Degas por la paleta de color, o ciertos elementos en concreto que van apareciendo por el largometraje.

También hay un claro ejemplo del manierismo en la parte de la sorpresa que le prepara el otro padre a Coraline en el jardín (haciendo una de las tres maravillas que se hacen para ella), formando con distintas plantas y alimentos su cara. Justo de eso se encargaban ciertas corrientes del manierismo. Cabe decir que este estilo comenzó como la imitación de la maniera de los grandes maestros como pueden ser Miguel Ángel o Tiziano, pero posteriormente se entendió como una rebelión contra el modelo de belleza renacentista, por lo que los artistas empezaron a pintar "a su maniera". Sus cuadros se caracterizaban por formar retratos con frutas, verduras, hortalizas, flores,... Aunque no por esto todos los artistas manieristas pintaban cuadros con dichas características. 

Por último, aparte de todas estas referencias al arte y sobretodo a artistas impresionistas, no hay que dejar a un lado el hecho de que se hagan tantas referencias al mundo onírico en la película, las cuales pueden relacionarse con tendencias artísticas posteriores a ésta. También aparece la cuestión (como ocurre en Alicia en el País de las Maravillas) sobre qué separa la realidad de lo que no lo es, siendo así el mundo de nuestros sueños más real que el que conocemos en estado de vigilia o viceversa. Esto puede verse en el momento en el que ese mundo sigue siendo real una vez Coraline está despierta. 

Y hasta aquí todo. Esta vez ha sido más breve, pero igualmente espero que haya despertado tu curiosidad si no has visto la película y si la has visto también. ¡Nos vemos en el próximo post! Para más información sobre futuras publicaciones: Instagram y Twitter.

T.

Trainspotting

Acababa de llegar a mi butaca y estaba realmente contenta, por fin habían estrenado la secuela de aquella película que tantísimo me gustaba veinte años después. Fue muy curioso, era raro ver jóvenes en aquella sala de cine. La mayoría de gente rondaba los cuarenta. ¿La generación Trainspotting, tal vez? 

Para quien no las conozca, Trainspotting (1996) y T2 Trainspotting (2017) son dos películas de origen británico dirigidas por Danny Boyle (probablemente os suenen algunas de sus películas como Slumdog Millionaire o Steve Jobs, protagonizada por Michael Fassbender), las cuales están basadas en las obras Trainspotting (1993) y Porno (secuela de Trainspotting publicada en 2002) de Irvine Welsh. 

Trainspotting y T2 Trainspotting parecen a simple vista dos largometrajes sobre, únicamente, la vida de un grupo de amigos quienes solamente tienen en común su adicción a la heroína, pero es más, mucho más. Solo habría que escuchar el monólogo de Mark Renton escrito por el guionista John Hodge, con el que más de uno se sintió identificado. 

Mark hace un listado de más y mas elecciones que uno debe tomar si quiere prosperar en la Gran Bretaña capitalista del momento, este discurso se traduce como una forma de rebeldía a dicho estilo de vida, encontrando refugio en una droga. No obstante, Mark experimenta un cambio importante de conducta durante el transcurso del largometraje. 

Este monólogo tiene mucho más protagonismo en el largometraje que en la obra literaria, acaparando casi todo el protagonismo al aparecer en los primeros minutos y dejando al descubierto gran parte de la personalidad de Renton (interpretado por un icónico Ewan McGregor, al cual recordaréis por su interpretación como Obi-Wan Kenobi en Star Wars). 

No son pocxs espectadores los que aseguraron que Trainspotting les cambió la vida, pero lo que sí es seguro es que cambió por completo el cine británico convirtiéndose también en una de las películas más aclamadas de todos los tiempos. Mostrando la cara más realista de la conocida como cultura de las drogas se puso a la misma altura que, incluso, filmes como Pulp Fiction. 

En su estreno causó mucha controversia al tratar el mundo de las drogas de una forma tan cruda llegando a ser acusada de fomentar el consumo de estas sustancias entre les jóvenes. Lo cierto es que este grupo de yonkis fue una gran influencia para millones de personas, que hoy día son padres en su mayoría, y teniendo un gran impacto no solo en la cultura cinematográfica, sino también en la musical de la época con canciones tan míticas de dicho film como Born Slippy de Underworld, Golden Years de David Bowie o Sing de Blur, aunque el protagonismo aquí es de Iggy Pop con canciones como The Passenger o Lust for Life. Llegó a tener tanto éxito que incluso se sacó un segundo volumen con algunas canciones no incluidas en la película, pero del mismo estilo. 

La forma en la que se promocionó dicha película fue muy innovadora ya que se publicitó repartiendo folletos inspirados en la cultura del club y con carteles con los personajes principales. El único personaje que no salía en dichos carteles era el interpretado por Kevin McKidd (Tommy) ya que se fue de vacaciones, perdiéndose toda la promoción, creyendo que la película no tendría tanto éxito.

Danny Boyle describía esa época como un cambio de pensamiento por lo general, el cual le ayudó muchísimo a la hora de dirigir Trainspotting, que se convirtió en uno de los fenómenos cinematográficos fundamentales para comprender la vida británica de la época. 

En T2 Trainspotting nos encontramos con lo que se podría percibir un cambio en el monólogo de Mark Renton, en el cual uno puede pensar que el rebeldísimo Renton de 1996 que conocíamos, se ha rendido, ha sucumbido a ese modo de vida... ¿O no? 

Realmente Mark no ha cambiado, sigue siendo opuesto al modelo de vida que ya criticaba en el 96, solo que ahora los picos han sido sustituidos por los likes en Instagram, Facebook o Twitter. Se sigue siendo adicto a las drogas, pero a distintas drogas. Todo sigue igual, "Y elige ver cómo la historia se repite", su pasado le persigue. 

Fue un gran suspiro de esperanza que Danny Boyle fuese también el director de esta segunda parte, reuniendo a todos los actores que trabajaron con él en 1996  como Ewan McGregor, Ewen Bremner (Spud), Jonny Lee Miller (Sick Boy) o Robert Carlyle (Begbie), entre otros. Dichos actores confesaron que no aseguraron su participación en la secuela hasta que pudieron leer el guión debido al enorme cariño que tenían al film antecesor (de hecho Ewan McGregor dio un gran salto a partir de su interpretación como Mark Renton). 

Había muchas dudas sobre si esta secuela se rodaba con intención de volver a reunir a esa generación nostálgica ante las pantallas o de captar a una nueva generación. Realmente, T2 Trainspotting fue un verdadero homenaje, muy emotivo, que no puede entenderse si no se ha visto la de 1996. En mi humilde opinión fue una bonita forma de recordar aquel film de hacía veinte años que supuso tal influencia en la cultura joven del momento.

¿Os ha dejado con ganas de más? Aquí os dejo los trailers por si no las habéis visto, espero que os haya despertado curiosidad. ¡Hasta la próxima! Para más información sobre futuras publicaciones: Instagram y Twitter.

T.

Young and beautiful

Seguramente ya conozcas la película El Gran Gatsby (2013) siendo ésta una adaptación (gran adaptación, ya que me he leído la obra y es enormemente fiel) de la novela homónima de F. Scott Fitzgerald. En dicha película contamos con una gran interpretación por parte de Leonardo DiCaprio como Gatsby (a quien también habréis visto en películas como El Aviador, Titanic o El Renacido) y Tobey Maguire como Nick Carraway (muy conocido como su papel en Spiderman o en Las normas de la casa de la sidra), aunque tampoco habría que olvidar a Carey Mulligan, la cual interpreta a Daisy Buchanan de manera espléndidamente dramática. 

Anteriores a esta versión de la obra existían una ópera y numerosas adaptaciones cinematográficas. El proyecto de esta película comenzó hacia, más o menos, 2008, año en el que la revista Variety publicó que se rodaría una adaptación de dicho libro con Baz Luhrmann como director. DiCaprio fue el primero en ser elegido en el reparto, seguido de Tobey Maguire. El papel que estuvo muy discutido fue el de Daisy Buchanan, llegándose a audicionar actrices como Scarlett Johansson, Natalie Portman o Amanda Seyfried, quedándose finalmente Carey Mulligan con el papel.

Si has visto la película, sabrás que transcurre en los años veinte, centrándose en la alta sociedad norteamericana, pero haciendo más hincapié en la figura de un misterioso hombre famoso por su alto poder adquisitivo y las fiestas que solía dar en su enorme mansión, pero no he venido a hacerte un resumen.

El director de dicho film es, nada más y nada menos, que Baz Luhrmann, cuyas obras más conocidas son Moulin Rouge!, Romeo + Julieta (en la cual interpreta a Romeo un DiCaprio de unos veintiún añitos junto a Claire Danes como Julieta) y Australia. Realmente salta a la legua que el Gran Gatsby forma parte de la obra de Luhrmann solo viendo la muy conocida Moulin Rouge! (basada en la ópera de La Traviata de Giuseppe Verdi y en la novela La dama de las camelias del escritor español Alejandro Dumas), en la que salen Ewan McGregor y Nicole Kidman como protagonistas.

El estilo de Luhrmann es muy visible en ambas obras, ya que llega a mezclar épocas de principios del siglo XX de manera muy significativa (año 1900 en Moulin Rouge y principios de 1920 en El Gran Gatsby) con elementos contemporáneos, como puede llegar a ser la música o ciertos detalles visuales, además de la gran gama cromática que usa, de hecho cuando uno ve una de las fiestas de Gatsby o uno de los números en el Moulin Rouge! sabe que está visualizando una película que transcurre a principios del siglo XX, pero hay muchas cosas que le resultan demasiado cercanas si además lo mezclamos con la banda sonora, ¿no te ha pasado? Eso, en mi opinión, es parte de la magia de algunas de las películas de Luhrmann, quien fue capaz de llevar al cine los años veinte como nunca antes se había hecho dándole cierto aire de fantasía que envuelve toda la historia.

Os dejo aquí la escena de una de sus fiestas:

El formato de la película es muy parecido en ambas, teniendo en cuenta que tanto Ewan como Tobey son a la vez personaje y narrador de la historia. Ambas películas comienzan con dichos actores rememorando una serie de vivencias que tuvieron con un personaje al principio misterioso y que acabó siendo sumamente especial para ellos (tanto como para escribir un libro en ambos casos).

El Gran Gatsby, al contrario que en Moulin Rouge!, no es una película musical, aunque cuenta con una banda sonora increíble, obra de Craig Armstrong (junto a la supervisión de Jay Z), quien se ocupó de la música en ambos largometrajes (lo cual también se observa notablemente) con canciones de David Bowie (Nature Boy), Christina Aguilera (Lady Marmalade), Queen (The show must go on), Madonna (Like a virgin) entre muchos otros en el caso de Moulin Rouge! y con temas de Lana Del Rey (Young and Beautiful), Florence + The Machine (Over the love), Goyte (Heart a mess), Sia (Kill and run) entre muchos otros en el caso de El Gran Gatsby, siendo el tema de Lana Del Rey el principal de la película y una de las canciones más escuchadas de la artista.

Hay que decir que dicha canción le viene que ni pintada a la película y se puede ver si se escucha con atención la letra de dicha canción o se observa el vídeo. Lana aparece maquillada y vestida de una forma impecable, como si perteneciese a la alta sociedad de, más o menos, los años 20. Hablemos ahora de la letra. Realmente a me recuerda durante toda la canción a la película, no solo porque esta canción la repitiesen en el filme hasta la saciedad en las escenas más emblemáticas, sino por los guiños que hace la cantante a dicha película con palabras   que nos hacen recordar al sentimiento de rechazo que siente Daisy Buchanan (de la cual está profundamente enamorado Gatsby) hacia su pareja, Tom Buchanan, a la riqueza en la que se movían los personajes, las noches de verano (precisamente la historia transcurre en verano) o al romance entre Gatsby y Daisy. En la historia de El Gran Gatsby, Gatsby seguía enamorado de Daisy después de pasar una gran serie de años sin verla, sin saber de ella. Daisy al parecer lo había olvidad, pero cuando lo ve todo vuelve a surgir, le seguía queriendo. Gatsby reunió toda esa cantidad de dinero realmente por ella, quería darle todo lo que tenía, ¡incluso las fiestas que organizaba eran por ella! 

Como curiosidad, podríamos decir que la canción Young and Beautiful fue también utilizada para anunciar la serie española de televisión Velvet al igual que la canción Blue Velvet, la cual salen cantando ciertos personajes de la serie en algún capítulo.

En el siguiente vídeo se puede ver, en el minuto 1:30.

Y aquí se acabó por hoy. No voy a hacerte spoiler, así que si quieres saber más tendrás que ver la película. Espero que te haya gustado y volver a verte al siguiente. ¡Hasta pronto! Para más información sobre futuras publicaciones: Instagram y Twitter.

T.