I'm Thinking of Ending Things

Me imagino que, al igual que mucha otra gente, verías I'm Thinking of Ending Things (Estoy pensando en dejarlo) cuando se estrenó hace unos días en Netflix. Si no lo has hecho aún, ya estás tardando. La verdad es que me resultaría extremadamente complicado explicar la película sin hacer spoilers, así que aviso a la de ya de que va a haber y no pocos (también te aviso de que va a ser un poco más largo de lo normal). 

Empezaremos por lo más básico: Se trata de una película estadounidense dirigida por Charlie Kaufman (ganador de un Oscar por el guion de Eternal Sunshine of the Spotless Mind en 2004). Es una adaptación, de hecho, de la novela homónima de Ian Reid. En el reparto contamos con actores y actrices como Jessie Buckley (Lucy), Jesse Pelmons (Jake), Toni Collete (madre de Jake) o David Thewlis (padre de Jake). Se la cataloga como un cine de suspense o terror psicológico. 

No te mentiré. Esta película es de esas que te dejan mirando la pantalla intentando averiguar qué demonios estás viendo. Además de esto, Kaufman te bombardea a cada segundo con una cantidad de información que solo es asumible si vas parando la película para apuntar (lo cual tuve que hacer treinta millones de veces para poder escribir este post). En este post te hablaré sobre esas referencias que he sido capaz de ver e intentaré darte una explicación, obviamente, desde mi punto de vista. 

Principalmente, hay que entender que se trata de una película con influencia surrealista, al igual que la propia novela. ¿Qué quiere decir esto? Que hay ciertas cosas que, aunque tú quieras buscarles un porqué, no lo tienen. No te calientes la cabeza, es así y punto. 

El surrealismo como vanguardia apareció tras la Primera guerra mundial (siempre hablamos del panorama europeo). Digamos que el surrealismo fue como una especie de "hijo" del dadaísmo. Bebía muchísimo del movimiento dada y esto es imprescindible saberlo para poder comprenderlo. Se caracterizó por ser un intento de plasmar aquello que se fragua en el subconsciente, en el mundo onírico (de hecho, en este momento se puso muy de moda la escritura automática). Como resultado, tenemos películas como Un perro andaluz (1929) o La edad de Oro (1930), ambas de Luis Buñuel. Si las has visto, ya puedes hacerte una idea de cómo es este movimiento. Esto, mezclado con un montaje poco usual, acentúa más esta sensación. 

Una vez dicho esto, comenzamos la película: En los primeros veinte segundos Kaufman ya nos da una pista de cómo va a ser toda la película. Nos muestra el famosísimo "efecto Kuleshov". Los formalistas soviéticos estaban convencidos de que el montaje es lo que constituye al cine como lenguaje (ni el guión, ni la actuación...) y le da un sentido a la película. Pensaban que si se cambiaba el orden del montaje, se podía cambiar una película (la historia) al completo. Para demostrarlo, Lev Kuleshov hizo un experimento con ello. En él se muestra al público una secuencia en la que se intercalaba la imagen de un actor (Mozzhujin) con las de un plato de sopa, un ataúd con una niña y una mujer en pose sugerente. A pesar de que la imagen del actor era siempre la misma, el público notó que la expresión de este cambiaba según la imagen que le siguiese. 

Como te decía, esto es una pista de cómo va a ser el resto de la película. Kaufman usa el montaje discontinuo como una manera de generar suspense e incomodar al espectador (algo que también se puede ver en el cine de Stanley Kubrick). Lo podemos ver, por ejemplo, cuando durante toda la película aparece y desaparece el perro de la familia o cuando van cambiando de edad durante todo el film. No hay una continuidad lógica, no hay raccord de movimiento, ni de sonido, ni de vestuario... Y eso descoloca mucho al público. 

Seguidamente, nos hace un recorrido por la casa en la que luego se desarrollará la acción mientras se oye una voz femenina. En este recorrido, se nos muestra muy claramente un cuadro colgado en la pared. Se trata de El caminante sobre el mar de nubes del pintor romántico alemán Friedrich. Dirás: ¿Y qué tiene que ver con la película? ¡Mucho, muchísimo! Y enseguida te contaré por qué. 

El caminante sobre el mar de nubes (1818)

Tenemos a Lucy, una joven que tiene un dilema consigo misma porque no sabe si dejar o no dejar a su novio, Jake. Precisamente, mientras se debate, se tiene que montar en el coche con él porque Jake quiere que Lucy conozca a sus padres. Durante el camino de ida, los personajes conversan mientras ella sigue teniendo ese debate interior. Sin embargo, mientras hablan vemos que hay cosas que no cuadran. Los personajes cambian de opinión en cuestión de segundos sobre diversos temas. Al principio, Lucy parece ser médica, luego periodista y luego poeta (de hecho, le recita un poema escrito por ella). Pero bueno, en general no hay nada de lo que alarmarse demasiado. 

En cuanto entramos a la casa de los padres de Jake, nos adentramos en un mundo casi de ensueño donde vemos a los diferentes personajes más mayores, más jóvenes e incluso muertos y poco después vivos de nuevo. Al igual que ocurre en nuestros sueños, Lucy no se desconcierta ante estas cosas. Tampoco lo hace cuando empieza a nevar en la escalera que da al sótano, cuando baja una escalera de dos tramos infinita, cuando ve nevar solamente encima de su coche... Sigue interactuando como si hubiera una linealidad y una lógica. De ahí que diga que contiene esa influencia surrealista conectada con el mundo onírico. 

Una vez nos metemos en esta atmósfera, los padres de Jake le preguntan a Lucy (quien pensábamos que era poeta) a qué se dedica, a lo que ella contesta que es pintora. Esto se uniría a esa referencia al arte que se hace al principio de la película con la pintura de Friedrich. Los padres le preguntan a Lucy qué tipo de arte hace y el personaje de Thewlis comenta su opinión sobre el arte abstracto, abriendo el debate de qué es arte y qué no, mostrándose a favor del arte académico y figurativo: 

Yo no sé mucho de arte, pero me gustan los cuadros en los que sabes lo que ves. ¿Cómo se llama...? ¡Abstracto! Eso no lo entiendo. Yo podría pintar abstracto, embadurnar con pintura un... ¿Cómo se llama...? ¡Un lienzo! Creo que es un engaño, a mi modo de ver... Me gustan los cuadros que parecen fotografías, eso no podría hacerlo ni en un millón de años. Eso es talento.

Jake, en cambio, contesta: ¿Por qué no buscas una fotografía si te gustan las fotografías? Es más rápido.

En esa frase tan cortita, Jake da una información espectacular. Hasta la creación y el surgimiento de la fotografía, el retrato era la única manera que se tenía de inmortalizar un momento concreto. Por ello, muchas familias poderosas (que se lo podían costear) encargaban a pintores famosos y no tan famosos que les representasen. Muchos de estos cuadros podían ser para regalo, para recordar un momento cumbre en su vida como una batalla... Un gran ejemplo de este tipo de pinturas serían aquellas pertenecientes a las familias reales. En el momento en el que surgió la fotografía, esto no era realmente necesario y cada vez más gente se podía permitir inmortalizarse. 

En cuanto al arte abstracto se refiere, así como cualquier arte vanguardista (como pequeño inciso: no tenemos que confundir figurativo con "entendible". Un cuadro puede ser figurativo y no ser entendible, ya que el autor ha utilizado una iconografía que solo es comprensible para él en ese cuadro concreto), se representa una idea, un sentimiento, un lugar, una sensación... Para que nos entendamos: ¿Qué siento yo cuando me dicen la palabra miedo? A lo mejor, tú lo relacionas con el color azul y yo con el color rojo; a lo mejor, tú lo relacionas con un acantilado y yo con el desorden que tengo en mi cabeza cuando no puedo tomar una decisión... Lo bonito, por así decirlo, de este tipo de arte es que existen mil interpretaciones diferentes, según quien lo mire. 

Continuando con la película, Lucy aclara que no es una artista abstracta: Pinto paisajes (...) Intento captar sobre todo la sensación de la luz y del ambiente. Yo intento infundirle a mi trabajo una especie de interioridad.

Tras esto, explica a qué se refiere con esa interioridad y aquí es donde conecta tanto con el trabajo de Friedrich. Según Lucy, ella pinta exteriores pero intenta plasmar en dichos paisajes lo que tiene ella en su interior en ese momento. Llega a ser similar a cómo concebían el arte los autores románticos y, de hecho, la pintura de Lucy recuerda mucho a estos artistas. A través de dicho paisaje, plasma cómo se siente en ese momento y lo llegan a comparar con El mundo de Cristina de Wyeth.  

El mundo de Cristina (1948)

Si te das cuenta, podemos encontrar similitudes entre este cuadro y el de Friedrich. El estilo, como puedes ver, es figurativo, realista. Observamos que hay gran detalle, al igual que en la pintura anterior. También vemos que se nos ofrece la figura de un personaje, en este caso una mujer, que mira hacia el horizonte. En este caso, el pintor quería enseñar al espectador la capacidad y fuerza de voluntad del ser humano para conquistar una vida y unos propósitos. Cristina era una mujer inválida que no utilizaba silla de ruedas y se arrastraba por su cuenta. El propio autor decía: Si he sido capaz de hacer que el espectador sintiera que su mundo puede ser limitado físicamente, pero de ninguna manera espiritualmente, entonces he logrado lo que me propuse hacer. En el caso de Friedrich, nos mostraría la inmensidad del mundo y la nada, frente a la pequeñez del ser humano. 

Todo esto es muy revelador para entender un poco la película. El director nos da continuas pistas de todo lo que está ocurriendo: la espiritualidad del ser humano sin límites (espíritu, imaginación, mente), la intranquilidad y sensación de ahogo que produce verse ante la inmensidad de la vida haciéndote sentir insignificante... Otras pistas que nos da Kaufman se encuentran durante el resto del recorrido por la casa. Llama especialmente la atención cuando Lucy empieza a mirar las fotos colgadas en la pared y se ve a sí misma, pero Jake le contesta que es él de pequeño. Recordemos que seguimos en un mundo de ensueño, en una especie de fantasía. Poco después, el director nos descubre que ese poema recitado por Lucy en el coche en realidad se trata de un libro que Jake tenía en su cuarto cuando era pequeño junto a las cenizas de su perro (sí, el perro que aparece y desaparece continuamente), titulado Rotten Perfect Mouth de Eva H. D. Después, Lucy se dirige al sótano (donde empieza a nevar en la escalera como decíamos antes) y encuentra un montón de posters de, precisamente, los cuadros que les había enseñado a los padres de Jake durante la cena como suyos. En realidad, se trata de la obra de Ralph Albert Blakelock. Junto a todo esto, se ven algunos lienzos pintados por Jake cuando era joven.

Moonlight, Indian Encampment (1885-1889)

Seguidamente, vemos Lucy consultando su teléfono y descubriendo que no hay fotos en la galería, mientras recita la siguiente frase Emerson: Nada es más raro en un hombre que un acto propio. Y también de Oscar Wilde: La mayoría de las personas son otras personas. Sus pensamientos son las opiniones de alguien más, sus vidas son una imitación, sus pasiones son una cita.

Seguidamente, se produce la llamada de una tal Louisa a su móvil, pero cuando contesta se oye la voz de un hombre mayor diciendo cosas como "solo hay un asunto que resolver", "tengo miedo", "me siento un poco loco", "no estoy lúcido"... A pesar de que Lucy en un primer momento se sintiera cómoda en dicho mundo de ensueño, vemos cómo cada vez se siente más incómoda y comienza a tener ansiedad poco antes de irse de la casa. 

En el camino de vuelta, entre todos los debates que tienen, Jake empieza a hablar de una película que le gustó (Una mujer bajo la influencia, de 1974), ya que piensa que a la sociedad le falta una cierta bondad o voluntad de admitir la lucha de otros causada por una sociedad desesperanzadora y alienante. Desesperanzadora con respecto a, por ejemplo, sentirse viejo, sentir cómo el cuerpo te abandona, tus sentidos, además de volverte invisible y verte obligado a intentar pensar que la edad es una cifra, que siempre hay una luz al final del túnel. Paran en Talsytown para comer helado, precisamente un envoltorio de dicho establecimiento aparece en la camioneta del anciano que estaba limpiando los pasillos del instituto durante la película. Se detienen en la heladería y ven a las dos chicas que se burlaban del conserje y ensayaban el musical Oklahoma! (1931), riéndose esta vez de Jake. 

Al llegar al instituto después de insistir durante bastante tiempo, Jake abandona a Lucy en la camioneta, obligándola a ir al interior del edificio a buscarle. Allí encuentra al conserje y luego a Jake. Tras observar una coreografía, vemos al conserje yendo hacia su camioneta y sufriendo una crisis. Recuerda a sus padres y diferentes episodios de su vida, dándose cuenta de que ya no hay marcha atrás. Se desnuda y sigue a un cerdo que está herido y siendo devorado por los gusanos (precisamente como aquellos que murieron en su granja). Durante el camino, el cerdo le va diciendo: No está mal cuando dejas de compadecerte porque solo eres un cerdo o... Aún peor, un cerdo infestado de gusanos. Alguien tiene que ser un cerdo infestado de gusanos, ¿no? ¿Y por qué no tú? (...) Yo sigo evolucionando, incluso siendo un recuerdo o un fantasma. Finalmente, vemos a Jake representando un musical ante un gran público. 

Entonces, ¿de qué va la película en definitiva? Va de Jake. De un anciano que es conserje en un instituto, que tiene problemas psicológicos y vive hastiado de su propia vida. Es infeliz y no puede dejar de imaginarse cómo podría haber sido su vida si hubiera tenido el coraje suficiente para hablar a aquella chica que le gustaba tanto (Lucy) y hubieran acabado juntos. Sin embargo, es consciente de que no puede volver atrás en el tiempo y que, como bien le dice el cerdo, hay que apechugar con las cartas que se te dan. Durante todo el film, el director nos mete en la mente del protagonista, caótica, desesperanzadora, fantasiosa y deprimente. Nos hace sentir el mismo ahogo y desasosiego que sufre Jake.

¡Y eso es todo! Sé que ha sido larguísimo, pero omitir tanta información me parecía fatal. Espero que hayas disfrutado el post y que si no has visto la película, te haya picado el gusanillo. Aquí he tratado los aspectos que a mí me parecieron más llamativos, pero hay mucho más. 

¡Hasta pronto!

T.

Veneno

¡Buenos días! Espero que, teniendo en cuenta las circunstancias en las que nos encontramos, estés bien. Esta vez hablaremos de una serie que empezó a emitirse durante la cuarentena: Veneno (2020) de Javier Ambrossi y Javier Calvo. Te sonarán por la serie Paquita Salas (2016-actualidad). De momento solo se ha emitido un capítulo por el parón como consecuencia de la pandemia. Sin embargo, pronto habrá nuevos capítulos. 

Se trata de una serie de origen español, que nos cuenta la historia de Cristina "La Veneno", una mujer que se hizo muy famosa por el programa de Pepe Navarro "Esta noche cruzamos el Mississipi", el cual era muy visto en la época de mediados de los noventa. Al parecer, dicha serie está basada en el libro ¡Digo! Ni puta, ni santa. Las memorias de La Veneno (2016) y sobre el proceso de escritura del mismo. De hecho, con la salida de este libro, fue una de las últimas veces que veríamos a La Veneno antes de su muerte en diciembre de 2016. 

En el reparto contamos con Lola Rodríguez como la periodista y escritora Valeria Vegas (quien, precisamente, escribió el libro que comentábamos anteriormente), Isabel Torres, Daniela Santiago y Jedet en las diferentes etapas de La Veneno, Ester Expósito (a quien te sonará haber visto en la serie de Netflix Élite) como Machús Osinaga o la mismísima Paca "La Piraña", gran amiga de La Veneno. Algo que también me parece muy interesante decir es que muchas de las mujeres que aparecen en el reparto de esta serie, son realmente trans. Esto solo lo habíamos visto, hasta ahora, en la serie de Ryan Murhpy POSE. Es maravilloso que por fin se preste atención a las actrices trans españolas para hacer una serie de tal envergadura. Es el caso de Jedet, Daniela Santiago, Isabel Torres o Lola Rodríguez. 

¿Que por qué hablamos de esta serie cuando solamente se ha estrenado el primer capítulo? Fácil. La Veneno fue una de las primeras mujeres transgénero en visibilizar la realidad de muchas mujeres como ella, que se veían obligadas a hacer la calle para poder sobrevivir. Además de ello, fue la voz del colectivo en televisión y allanó el camino de muchas compañeras trans. La Veneno se convirtió en todo un icono de la comunidad LGBT.

Ella nació en un pueblo de Almería a mediados de los años sesenta. Cristina siempre contó cómo desde muy pequeña ya sabía que era una mujer. Desde muy pronto, empezó a diseñarse su propia ropa, ya que le encantaba el mundo de la moda. Sufrió un gran número de agresiones tránsfobas tanto de la mano de sus familiares como habitantes de su pueblo.  Aquí tienes una de las entrevistas en las que habla de ello y una de su tercera etapa: 

Como puedes ver en estos vídeos, ella misma dice que se podría hacer una película de su vida. Esta última entrevista, más o menos, se ubicaría en la época en la que conoció a Valeria Vegas. Se hizo famosa no solo por esa naturalidad y desparpajo que tenía, sino también por lo atractiva que era. Antes de hacerse famosa en el programa de Pepe Navarro, era prostituta en las zonas del Parque del Oeste y el Paseo del Pintor Rosales. En cuanto tuvo ocasión, se mudó a Madrid en los noventa y empezó su transición poco después. En esta época, siendo prostituta, fue cuando fue descubierta. Para entonces, muchas compañeras de trabajo de La Veneno habían muerto por VIH (si te interesa este tema, en la serie POSE se habla bien de ello, en el blog también hay un post sobre esa serie en este link). Aquí puedes ver la primera entrevista de La Veneno vs la serie:

Durante este período de fama, sacó singles como Veneno pa tu piel, que sería muy conocido. Tras esto, se convirtió en vedette y show-woman y tuvo una gira por pueblos de toda España. Además de esto, también tuvo oportunidad de ser modelo del diseñador alicantino Antonio Alvarado. A finales de 1997, se traslada a Buenos Aires para hacer otro programa de televisión. Como dato curioso, señalaré que ya hubo un proyecto de una película sobre su vida, pero no llegó a buen puerto.

Alejándonos de lo que parecía haber sido un golpe de suerte, a principios de los 2000, La Veneno ingresó tres años en el Centro Penitenciario Madrid VI - Aranjuez. En su estancia, según cuenta la propia Veneno, la violaron repetidamente. Según parece, La Veneno fue condenada por haber prendido fuego a su piso para cobrar el seguro. Sin embargo, ella mantuvo cada día que todo fue una trampa de su ex-pareja.

Como decía al principio del post, La Veneno murió en 2016 por un traumatismo craneoencefálico en Madrid. Según la autopsia, su fallecimiento podía deberse a una enorme ingesta de alcohol y somníferos. Esto, al parecer, habría producido que se cayese en el baño y se diese un fuerte golpe en la cabeza. A día de hoy, el caso está cerrado. No obstante, tanto los familiares como sus amigos han aportado múltiples pruebas de que su muerte fue un asesinato. Al parecer, su hermana presentó un informe forense que contradecía dicha autopsia, alegando que se realizaron varias irregularidades. En este informe se cuenta que la muerte fue violenta, ya que había signos de lucha (como hematomas). A día de hoy, hay quien aún sostiene que la muerte de La Veneno se trató de una agresión por transfobia o un ajuste de cuentas por la publicación de su libro ¡Digo! ni puta, ni santa. La propia Cristina tras publicarlo contó que no reveló los nombres de sus clientes porque tenía miedo de que tomasen represalias. Aquí tienes una de sus últimas entrevistas, precisamente sobre el libro:

La última voluntad de nuestra protagonista fue ser incinerada y que esparcieran sus cenizas por el Parque del Oeste. Sin embargo, su familia no respetó esto y la enterró en su pueblo, además vestida de hombre. En su lápida figura el nombre de "Joselito".

Para finalizar, te dejaré el trailer de la serie a continuación, por si te ha picado el gusanillo y quieres conocer en profundidad la difícil vida de Cristina "La Veneno". Con todo, también tienes la oportunidad de hacerte con su libro, donde cuenta lo que se ve en la serie y mucho más. Nos vemos pronto.

D.E.P. Cristina.

T.

I am not okay with this

¡Muy buenas! Este mes os traigo un post que habla sobre una serie que acaba de salir. 

A lo mejor te suena de algo la serie "I am not okay with this", de Netflix. Más allá de lo que me haya parecido esta serie o el acierto que hayan podido o no tener al ponerle el título a la misma, me gustaría hacer una serie de observaciones. 

Empecemos con un breve resumen: La protagonista es Sydney (interpretada por Sophia Lillis, a la que pudimos ver en IT: Parte I en 2017), la típica adolescente incomprendida, impopular... que se suele coger para este tipo de series. Sin embargo, tiene dos buenos amigos: Dina (Sofia Bryant) y Stanley (Wyatt Oleff que, de hecho, también sale en IT: Parte I). Hasta ahí, todo normal. Es entonces cuando empieza a experimentar una serie de "cambios" que darán un vuelco a su vida. No te digo más, por si quieres verla. No voy a hacer spoiler (o, al menos, lo intentaré). 

Esta serie está basada en la novela gráfica homónima de Charles Forsman, un autor de cómics estadounidense. De hecho, ya se adaptó un cómic suyo que probablemente ya conozcas: The End of the F***ing World (la primera emisión fue en 2017). En este caso encontraríamos paralelismos con Bonnie and Clyde, así que, probablemente no vaya muy desencaminada con los siguientes referencias que logré encontrar. 

La serie que nos ocupa en este post, es de los creadores de Stranger Things, así que si encontráis algún paralelismo con ella no sería casualidad. De hecho, hay quien piensa que las protagonistas de ambas series tienen el poder de la telequinesis precisamente por eso, porque no innovan. Mi opinión me la guardo, aquí estamos para comentar referencias y/o cosas interesantes de los audiovisuales que tratamos. 

Conforme fui viendo la serie, me di cuenta de que hacía algunas referencias a películas muy famosas. Me centraré en algunos capítulos muy concretos, no haré un comentario de la serie en general. En el capítulo número 5 todos nuestros protagonistas, además de otros dos personajes, son castigados. En total son cinco castigados. Cada uno con una personalidad diferente: está el personaje "yonki", la rara, el popular y su novia y... la "chunga", por así decirlo. No sé a ti, pero a mí me recuerda enormemente a la película de 1985 "The Breakfast Club" o, en castellano, "El Club de los Cinco". Además de esto, el profesor que los castiga les anima a pensar en el daño que han hecho a la institución y a ellos mismos (precisamente como ocurre en la película). Aun así, no es una coincidencia muy llamativa. Realmente por lo que creo que se inspiran en esta película al hacer este capítulo es por todo lo que viene a continuación. Si has visto la película de El Club de los Cinco, sabrás que llega el momento en el que se escapan de la sala de castigo y uno de ellos distrae al profesor para que no pille a los demás. Precisamente pasa algo exactamente igual en esta serie. Si no has visto la película, aquí te dejo el trailer:

Algo que también habríamos de tener en cuenta sería el cambio de look que Dina le propone a Sydney durante el tercer y el séptimo capítulo, que recuerda mucho también al cambio de look de Allison (Ally Sheedy) en esta película. En otro momento Dina fuma porros durante el castigo con Sydney y Stanley, al igual que hace Claire (Molly Ringwald) en The Breakfast Club.

Otra referencia que me gustaría comentar (ALERTA: SPOILER), sería una que vi en el último capítulo, al final del todo. En dicho episodio, Sydney va con Dina a un baile del instituto al que irá todo el mundo. Se ponen sus mejores vestidos y se lo están pasando de maravilla y, atención: cuando están nombrando a los reyes del baile, alguien interrumpe la ceremonia y ocurre una catástrofe. Nuestra protagonista acaba cubierta de sangre, sale corriendo del instituto y huye. ¿A qué nos puede recordar esto? 

Exacto, ¡a Carrie (1976)! Y, ¿a que no sabes qué? Casualmente, Carrie (Sissy Spacek) también tiene poderes telequinéticos al igual que ocurre con Sydney. Si no has visto esta película, te dejo el trailer por aquí:

Por último, pero no menos importante, te dejo por aquí el trailer de la serie por si te interesa verla:

Este post ha sido breve, pero igualmente me ha encantado escribirlo. Lo cierto es que acabo de terminar de ver la serie y pensé que era buena idea compartir esto con vosotros. ¿Qué piensas sobre eso que dicen muchos de que están abusando del poder de la telequinesis "para todo"? ¿Te ha gustado la serie o piensas que es una copia de Stranger Things (ya que esta está apunto de acabar)? Cualquier cosa que te apetezca comentarme de este tema lo puedes hacer en mi Twitter. 

¡Hasta el mes que viene!

T.

Nosferatu

¡Hola, cuánto tiempo! Te preguntarás dónde he estado... O tal vez no, pero yo te lo cuento igual. Tengo varios frentes abiertos ahora mismo, además de la universidad y este blog. Ya sabes lo que dicen: "el que mucho abarca, poco aprieta." Pero intentaré ser más constante como antes, lo juro.

Como bien has visto leyendo el título de este post, esta vez hablaremos de Nosferatu. Si eres muy fan del cine, la habrás visto. Si no, es posible que no la conozcas. ¡No tiene nada de malo! Aquí estamos para aprender. 

Veamos, ¿quién es Nosferatu y por qué es tan importante? 

Nos tendríamos que remontar a 1922. Período de entreguerras, expresionismo alemán. El cine de esta época conformó un estilo de vanguardia que influirá enormemente en el cine posterior. Como bien habrás podido adivinar, el cine expresionista alemán tiene una gran influencia del arte plástico expresionista. Esto se puede observar no solo en la trama de las películas, sino también en los decorados, la iluminación y demás aspectos técnicos. Como ocurría en el campo artístico, con el cine expresionista se pretendía plasmar los sentimientos y emociones antes que una una realidad objetiva. De esta manera nos podíamos encontrar decorados con líneas curvas, deformadas, formas puntiagudas... Como bien dice Paul Leni (director de cine expresionista alemán), se trataría de estilizar tanto los decorados, que cualquier parecido con la realidad sería pura casualidad. 

Todo esto tiene aspectos que recuerdan al teatro de Max Reinhardt. Él empezó a experimentar con la luz artificial y natural a la hora de otorgarle mayor importancia a ciertos personajes encima del escenario. También fue quien primeramente empezó a experimentar con los decorados que, posteriormente, derivarán en estas formas tan disparatadas que hablábamos antes. 

Pero no nos enrollemos más con la teoría. Centrémonos en la película en sí. Nosferatu, una sinfonía del horror (1922) fue dirigida por F. W. Murnau y escrita por el guionista de la película Golem (1915), Henrik Galeen. La banda sonora, como bien nos da a conocer el título, es de vital importancia para entender la película (ya que nos encontramos aún en la fase del cine mudo). 

En este blog nos gusta mucho ver las posibles referencias que tienen las películas con otras artes. En el caso de Nosferatu, tenemos multitud de guiños a artistas plásticos como Fiedrich, Franz Marc, Kubin o Munch. 

Luciano Berriatúa, quien se encargó de la restauración de la película, tiene un libro en el que habla de esto llamado "Los proverbios chinos de Murnau". Según Berriatúa, algunos de los paisajes que aparecen en la película podrían recordar a los pintados por Fiedrich. Un ejemplo lo veríamos en la parte en la que Nosferatu viaja en barco. En un momento de la película vemos la proa de ese barco, que nos recuerda mucho a un dibujo realizado por el artista. 

También vemos referencias a la pintura de Franz Marc en la parte en la que Nosferatu viaja en el carruaje de caballos y sobre todo de Kubin. Este artista tiene una obra llamada "Araña" que coincide en muchos aspectos con la parte en la que Hutter, el protagonista, entra por primera vez en el castillo del vampiro. Por otra parte, la casa que compra Nosferatu y en la que vive en la segunda mitad de la película, coincidiría con un dibujo de esa misma casa de Munch. 

Esta película fue inspirada, cómo no, por la historia de Drácula (1897) de Bram Stoker. Se sabe que fue la primera película que se hizo sobre vampiros en toda la historia del cine. ¿Que por qué lo llamaron Nosferatu en vez de Drácula? Por temas de derechos de autor. A partir de ella, pues... Ya conocéis el resto. Hoy en día existen decenas de películas referentes al mundo vampírico. Más allá de esto, tiene más influencia en nuestra cultura. Por ejemplo, Kubrick llegó a tomar influencias de esta película en su film La Naranja Mecánica (1971). La parte a la que nos referimos sería la parte en la que conducen a toda prisa en un coche, antes de asaltar una casa (recordaría mucho a la parte en la que Nosferatu viaja en carruaje, donde se utiliza el acelerado).  

Por otro lado, el personaje de Nosferatu en sí, ha hecho acto de presencia en algunos elementos audiovisuales de la actualidad, como Rick y Morty (2013-actualidad). En esta serie se hacen multitud de guiños a la historia del cine. Además del increíble parecido que guarda con el personaje, en ese capítulo Mini Rick y Morty matan al Profesor Feratu por ser un vampiro. Este vampiro que vemos en el vídeo, de hecho, se queja de que un vampiro que quiere pasar desapercibido lo último que tiene que hacer es ponerse el nombre de un vampiro del cine.

Otra de las muchas referencias que podemos encontrar, la veríamos en el Instagram de Sasha Velour, una drag queen ganadora de la novena temporada de RuPaul's Drag Race en 2017. Para Halloween, en octubre de este año pasado (2019) se caracterizó de algunos personajes de terror famosos, entre ellos el vampiro de nuestra película. 

Aquí puedes acceder a su publicación: foto

Finalmente, te dejo aquí las mejores escenas de la película a modo de "trailer" por si no la has visto y te despierta curiosidad. ¡Espero que te haya gustado el post! ¡Nos vemos pronto!

Scream

¿Dirías que las películas de Scream están infravaloradas o sobrevaloradas? Yo diría que un poco de ambas, depende de a quién le preguntes. Lo cierto es que mucha gente relaciona las películas de Scream con las películas de Scary Movie, que poco tienen que ver (básicamente son un montón de parodias de diferentes películas de terror de la historia del cine).

Como da la casualidad de que faltan dos meses para Halloween y se acerca el otoño, parece que empieza la temporada de series y películas de terror (solo decir que este septiembre se estrena la segunda parte de IT y la novena temporada de AHS) y aquí no va a ser menos. 

Scream (1996) es una película dirigida por Wes Craven (de quien te sonará  Pesadilla en Elm Street (1984), un absoluto éxito). Está protagonizada por Neve Campbell (Sidney Prescott), Courteney Cox como Gale Weathers (te sonará por haber interpretado a Mónica en la serie F·R·I·E·N·D·S) y David Arquette como Dewey Riley. La trama gira en torno a Sidney, una chica que vive en Woodsboro, que es perseguida por un asesino en serie llamado Ghostface. 

Los números no fallan: Scream fue un absoluto éxito recaudando más de 173 millones. A esta película le seguirían Scream 2 (1997), Scream 3 (2000) y Scream 4 (2011). Algo por lo que gustó esta saga de películas fue por su frescura. Resultó revolucionaria la manera de plantear estas películas de terror ya que los propios personajes analizaban los pasos del asesino en torno al esquema y tópicos propios de las películas de terror. ¿Quién muere primero? ¿Quién es el último? ¿Cuál es el escenario del siguiente asesinato? Ahí es donde entra el papel de Randy (Jamie Kennedy), todo un experto en el género. Las reglas que debes seguir si quieres sobrevivir en una película de terror son: 

1. Ser virgen, los vírgenes nunca mueren.

2. No decir nunca "vuelvo enseguida", porque no vas a volver. 

3. No consumir alcohol ni drogas. 

Conforme van hablando de estas reglas no escritas del cine de terror, el espectador puede caer en la cuenta y decir "vaya, ¡es verdad!". ¿Cuántas películas de terror hemos visto con el mismo patrón? Si es una niña está poseída o ve fantasmas; si es un grupo de amigos siempre tiene que haber una rubia, un chico atractivo novio, seguramente, de la protagonista; si alguien baja solx a un sótano acaba muerto...

Durante el film también son multitud de referencias las que hacen a otras películas y directores. Por ejemplo, en Scream el mismo Craven sale como Fred, un conserje que lleva un traje bastante parecido al de Freddy Krueger, su gran creación.

También se menciona el apellido "Carpenter" haciendo referencia a John Carpenter, el director de Halloween (1978). Otra referencia muy clara la veríamos en el personaje de Drew Barrymore con Marion Crane (Janet Leigh) de Psicosis (1960), otra en Linda Blair, quien interpretó a Regan en El exorcista, aparece como periodista en Scream, otra en el Sheriff Burke, quien interpreta a un alguacil en Pesadilla en Elm Street,... Entre muchísimas tantas, no acabaríamos si las nombrásemos todas.

"¿Cuál es tu película de terror preferida?"

Así empieza la película, con Drew Barrymore interpretando a Casey Becker, una chica que está en su casa haciendo palomitas y que justamente va a ver un film de terror. Ella recibe una llamada de un extraño y... Supongo que sabrás el resto. Esta escena es considerada uno de los mejores inicios del cine de terror para muchos fans del género. El motivo es la manera en la que el espectador se siente identificadx con la víctima. ¿Quién no ha recibido una llamada de un extraño? La manera en la que el asesino acecha a sus víctimas hace que todxs sintamos el miedo que sienten los diferentes personajes a los que telefonea. Es algo muy casual, cotidiano. 

De esta manera, además de cuestionar los esquemas de las películas de terror, la película hace partícipe al espectador y juega con él.

Por esto no es de extrañar que esta película haya marcado un antes y un después en la cultura del cine de terror. No es raro ver en Halloween a gente disfrazada de Ghostface, un asesino que nunca pasa de moda. Lo mismo ocurriría con Freddy Krueger, otro personaje que también ha quedado en la memoria colectiva.

Precisamente, volviendo al estreno de la nueva temporada de AHS: 1984,... Al parecer tiene referencias a películas como Pesadilla en Elm Street. Precisamente el año que ha elegido Ryan Murphy no es casual, en ese año se estrenó dicha película además de Viernes 13 Parte IV. Si uno ve el trailer de la temporada no puede negar que la estética es muy similar al de las películas de terror de esta época.

Volviendo a Scream: se han hecho multitud de referencias en series y películas, como por ejemplo Scream Queens (2015-2016) que no tuvo mucho éxito. Ryan Murphy quiso emular el espíritu de las famosas películas de la saga Scream e incluso tuvo en su elenco a Emma Roberts, quien actuó en la película Scream 4.


Otra serie sería Scream (2015-actualidad), que se supone que aún no ha terminado y que la tercera temporada se estrenó en julio de 2019 en VH1, Netflix se supone que la subirá el 1 de septiembre. Esta serie ha tenido muchísimas malas críticas, hay quien la ha descrito como un auténtico despropósito, otros dicen que es una serie que está maldita,...

Otra serie en la que he visto alguna referencia (de las tantas que hacen al mundo del cine) es en Los Simpson (1989-actualidad). Aquí se pueden ver algunas:

Y con esto y un bizcocho... hasta el mes que viene. Con todos los estrenos que hay en ese mes a saber de qué hago el post. Espero que este te haya gustado, que lo hayas disfrutado y que hayas aprendido alguna cosa que no conocías sobre esta saga. ¡Te animo a que las veas y observes la cantidad de referencias a otras películas y directores de terror que hacen!

T.

Surrealismo y stop motion

Esta vez me gustaría hablarte de otro tipo de película e introducirte en el mundo del stop motion. Empezaremos con un director que, en mi opinión, es maravilloso. Ahora surrealista, pero en sus inicios de tendencia manierista. Es posible que lo conozcas pero, seamos sinceros, que no es famoso como Kubrick. Se trata de Jan Švankmajer, un director de cine surrealista de origen checo. Švankmajer nació en Praga y cuenta en su filmografía con cortometrajes como Food (de 1992, compuesto de Breakfast, Lunch y Dinner), o Alícia (1988). 

Con sus obras crea espacios y atmósferas inquietantes y de difícil interpretación. Crea un ambiente como de pesadilla que atrapa. Lo más normal cuando alguien ve un film de este director es que diga: "¿Qué acabo de ver?". De hecho, el propio director llegó a teorizar su estilo cinematográfico para una mayor comprensión.

Un recurso que utiliza Jan Švankmajer sería el stop motion. Una forma de animación que se basa en la sucesión de fotogramas. Es decir, en cada fotograma, las marionetas o actores van movimiento por movimiento, moldeados por los animadores. 

Un director como es Henry Selick usa este recurso en sus películas. Se sabe que en Los mundos de Coraline (link del post) se necesitaron más de diez animadores para cada personaje, además de varios meses para llevar a cabo el trabajo. Esta técnica de stop-motion la heredaría de Tim Burton (no hay que olvidar que la mayor parte de su filmografía es en stop motion, con ejemplos como La novia cadáver (2005). Otra película de stop motion que sería interesante mencionar sería Fantastic Mr. Fox (2009), de Wes Anderson. 

Aparte de esto, Selick también tiene gran influencia de un director muy conocido en esta modalidad de origen estadounidense como sería Ray Harryhausen. Harryhausen es considerado por muchxs como el maestro del stop-motion. Tiene entre su filmografía películas como Jasón y los argonautas (1963) o La isla misteriosa (1961). 

Se sabe que Tim Burton mostró una gran fascinación por el cine de Harryhausen con esta película. 

El stop motion no solo se reduciría al cine, sino que también podríamos encontrarlo en videoclips musicales. Seguro que te suena la canción Mykonos (2009) o White Winter Hymnal (2008) de Fleet Foxes. Podríamos poner otros muchos ejemplos, pero creo que este es uno que la mayoría de gente conoce.

Volviendo al mundo del cine, un ejemplo muy conocido sería Neighbours (1952) del director de origen escocés Norman McLaren. En este caso podemos ver la fusión de la animación en  stop motion con elementos vivos como son los actores. No habría que pasar por alto a este director, ya que gracias a sus experimentos contribuyó enormemente al cine tal y como lo entendemos hoy en día.

Švankmajer, de hecho, destaca por utilizar actores reales, así como muñecas, animales disecados, figuras, etc. Se sabe que este director se ha inspirado en más de una ocasión en Edgar Allan Poe, Goethe o Lewis Carroll (por ejemplo en La caída de la Casa Usher (1980) o Jabberwocky (1971)). 

Próximamente haré una encuesta en Twitter sobre si quieres otro post hablando de más directores de stop motion como Švankmajer, Harryhausen o McLaren.

Este post ha sido más breve, pero al tener tantos vídeos no he querido enrollarme tanto como otras veces. ¡Espero que te haya gustado esta introducción, nos veremos el mes que viene! 

Algunos vídeos de estos directores y más los voy subiendo en Twitter.

T.

Maniac

Hola, hoy voy a dedicar el post a una miniserie que creo infravaloradísima. Sí que es cierto, que en mis círculos cercanos y en mis redes sociales vi que hubo gente a la que le gustó, pero no ha causado el impacto que debería haber tenido, en mi opinión. Y como a mí me parece una maravilla y la he vuelto a ver, pues vengo a contártelo. 

Empecemos con ficha técnica y datos generales. Maniac es una miniserie de origen estadounidense producida por Netflix, que está creada y dirigida por Cary Joji Fukunaga. Se estrenó en septiembre de 2018. Está basada en una serie televisiva homónima de Noruega de Hakon Bast Mossige. En el reparto de esta serie contamos con actores y actrices como Emma Stone, a la que podrías recordar en películas como La La Land (2016) o The Help (2011), Jonah Hill en El lobo de Wall Street (2013), Sonoya Mizuno en Ex machina (2015) o La La Land (2016) y a Justin Therou, al que hemos podido ver en American Psycho (2000) o Mulholland Drive (2001). Cuando vi el reparto ya pensé "esto pinta bastante bien por el momento", pero claro, no hay que sacar conclusiones precipitadas porque luego unx se puede llevar un buen chasco. No sería la primera vez. Todxs lxs actores/actrices, directores/as o guionistas, por muy buenxs que sean,  tienen una serie o película mala. O dos. O tres. También me sorprendió ver a la doble ganadora del Óscar, Sally Field, a la que podemos ver también en Forrest Gump (1994).

La miniserie trata sobre Annie Landsberg (Emma Stone) y Owen Milgrim (Jonah Hill), quienes se conocen en un ensayo farmacéutico sobre la psique humana. Owen tiene esquizofrenia, pero se niega a aceptarlo y Annie no logra superar sus relaciones familiares. Los doctores James K. Mantleray (Justin Theroux) y Azumi Fujita (Sonoya Mizuno) son los inventores de dicho ensayo y desean eliminar traumas o enfermedades mentales de la gente gracias a su fármaco experimental.

Empecé a ver la serie y lo primero que me llamó profundamente la atención fue la estética. ¡Qué estética! A mí me das luces de neón y estética ochentera rollo futurista y es que me pierdo. No puedo ser objetiva, al menos en cuanto a la estética se refiere. Por eso me gustan tanto series como POSE  (2018-actualidad) (link del post), GLOW (2017-actualidad) o Fargo (2014-actualidad) (link del post). La cosa es que esta ha sido muy criticada por muchos, llamémoslos "entendidos", diciendo que era una estética muy explotada, que el rollo arcade estaba ya demasiado exprimido con series como Stranger Things (2016-actualidad). Yo digo que no. Puedo nombrar más series, muchas más, que no tengan ese rollo. Y seguro que tú también. Sí que es cierto que Stranger Things marcó tendencia en cuanto a esa ambientación ochentera y a partir de ella han surgido "muchas" más. Pero no considero que sea como para decir que es un género sobre explotado. También hay quien ha dicho que es una mezcla entre Inception (2010) y 2001: Odisea en el espacio (1968). Es cierto que la estética puede parecerse, pero realmente el argumento de la serie no es, ni de lejos, el mismo. 

Mientras la veía, empecé uno de los capítulos y, si la has visto, a lo mejor recuerdas que en los créditos iniciales aparecen dos frases: "A Netflix Original Series" y "A Paramount Television Presentation" en un verde chillón. Bueno, pues me recordaron enormemente al videoclip de Familiar de Agnes Obel, que también tiene una ambientación muy parecida. 

Curiosamente, esta canción forma parte de la banda sonora de Dark (2017-actualidad), una serie de Netflix a la que más de unx ha acusado de plagiar a Stranger Things (pista: no). 

Otro videoclip que me vino a la mente por la similitud que guarda con Maniac en la luz y el color fue el siguiente: 

Volviendo al argumento, aun siendo una miniserie, se trata de una historia un poco lenta. Hay capítulos que se te pueden hacer algo pesados. Incluso hay quien dice que este mismo argumento y estética en una película habría sido muchísimo mejor. Es una opinión bastante generalizada. También se baraja la opción de una miniserie de, en vez de 10 capítulos, 6.

Si quieres saber mi opinión en términos generales, el argumento es interesante aunque a veces desarrollado de forma lenta y, a nivel visual es una auténtica maravilla. Técnicamente hablando es una serie que no me ha dejado en absoluto indiferente en cuanto a la luz y el color, la cámara,... Merece la pena verla solo por los aspectos técnicos. Te parecerá una tontería, pero la luz y el color son esenciales a la hora de definir la estética de una película porque dependiendo del color que utilicemos, al espectador le invadirá una sensación/sentimiento u otra/o como pueden ser tensión, tristeza, ternura, alegría,... Y si a esto le sumamos los movimientos y planos de cámara esta sensación o sentimiento se intensifica mucho más. Hay directores como Stanley Kubrick que juegan mucho con el montaje discontinuo, con cortes constantes generando tensión en el espectador. Un ejemplo:

Si te interesa la teoría del color en el cine hace poco subí un vídeo a Twitter sobre ello, realizado por Kat Smith. Si te paras a observar, verás que cada color está relacionado con una estética diferente.

La verdad es que me ha quedado un post muy dinámico y visual. Bueno, a veces tocan post tan largos como la Biblia y otras veces como mejor se aprende es con ejemplos visuales. Por último, como hago siempre, solo quedaría incluirte el tráiler de la serie para que le eches un vistazo si no la has visto. Personalmente te la recomiendo, pero he de avisarte que es una miniserie que te gusta o la odias. Ya me contarás, si te apetece, qué te ha parecido. ¡Nos vemos pronto!

T.

¿Cuántas de estas películas conoces?

¡Espero que te haya gustado este test y que hayas sacado la mayor puntuación posible! ¿Has visto alguna película que te haya interesado? ¡Nos vemos pronto en un nuevo post!

T.

El viaje de Chihiro

El viaje de Chihiro (2001) es una película de animación de origen japonés. Está dirigida por Hayao Miyazaki y producida por Studio Ghibli. De él te sonarán películas como La princesa Mononoke (1997), Mi vecino Totoro (1988) o Ponyo en el acantilado (2008). Este filme nos cuenta la historia de una chica llamada Chihiro, que se adentra en un mundo fantástico mientras va a realizar una mudanza con sus padres. 

Como dato interesante podríamos decir que El viaje de Chihiro ha sido la única película de animación japonesa en ganar un Óscar en la categoría de mejor película de animación (categoría creada, precisamente, para dicho film). Con un presupuesto de 19.000.000 $, logró recaudar 229.607.878 $. Es el séptimo largometraje bajo la dirección de Miyazaki y de la película numero trece del Studio Ghibli. De este director podríamos destacar películas como El castillo en el cielo (1986), Porco Rosso (1992) o El castillo ambulante (2004).

El film se encuentra enormemente influenciado por la novela Kiri no mukou no fushigina machi (1974), que podríamos traducir como "Un pueblo misterioso más allá de la niebla", escrita por Kashiwaba. Miyazaki en un primer momento propuso la película como una adaptación de la novela. 

La película, aparte de a esta novela, también tiene guiños a otras historias o situaciones. Los filmes de Miyazaki siempre suelen tener un mensaje o una moraleja. Por ejemplo, podemos ver esto en la escena en la que aparece el Dios del Río. En dicha escena aparece un espíritu que desprende un olor muy desagradable, el cual quiere darse un baño. Chihiro, mientras realiza la tarea, encuentra un manillar de bicicleta. Esto viene de una vivencia de Miyazaki, en la que participó en la limpieza de un río. Allí encontraron un manillar de bicicleta atrancado, por lo que tuvieron que hacer una cadena de diez personas para sacarla y que los peces pudieran volver al río. Aquí se vería un mensaje de conciencia con el medio ambiente. 

Similitudes con Alicia en el País de las Maravillas. 

Podemos ver durante el largometraje varios guiños a la novela de Alicia en el País de las Maravillas (1865). Vemos por ejemplo que aparecen cerdos. Los padres de Chihiro al principio de la película se convierten en cerdos por comer la comida de ese mundo mágico del que hablábamos anteriormente. En el caso de la novela, cuando Alicia coge a un bebé en brazos este se convierte en un cochinillo.

El bebé de la Condesa y ella misma se asemejan enormemente a a Yubaba y a Bo (el bebé gigante), a causa de sus desproporciones:

Otras semejanzas que podríamos encontrar: 

Información extraída de: LOPEZ MARTÍN, A.: El viaje de Chihiro. Nada de lo que sucede se olvida jamás... Diábolo ediciones S. L. Madrid. 2017

Los mundos de Coraline (2009)


Coraline, al igual que Chihiro, también descubre un mundo maravilloso tras una mudanza. Curioseando por la casa encuentra una pequeña puertecita que la conducirá a un mundo paralelo.

De la misma manera que ocurre en Los mundos de Coraline, Chihiro no solo se adentra en un mundo de fantasía sino que lo hace para salvar a sus padres hechizados por una bruja, aunque Coraline ya visitase ese mundo de ensueño antes del rapto de sus padres.

Otra similitud que guarda tanto con esta película como con Alicia en el País de las Maravillas es la forma en la que las tres niñas se sumergen en esos mundos. Coraline accede a través de un túnel que conecta su casa con la del otro mundo, Alicia a través de una madriguera casi interminable y Chihiro a través de, nuevamente, un túnel que atravesaba una fachada principal antes de llegar a ese lugar maravilloso.

Te dejo por aquí el link del post que dediqué a esta película: Los mundos de Coraline.



Brave (2012) 

Por otro lado, tenemos su semejanza con la película Brave (2012). Brave trata sobre una princesa escocesa llamada Mérida. Esta princesa no es la típica que podemos imaginarnos (el prototipo de princesa, para entendernos). Cuando los primogénitos de los clanes aliados compiten por la mano de la muchacha en los juegos de Tierras altas, Mérida cambia las reglas y acaba participando en los juegos, alegando que ella también es primogénita. En la prueba de tiro con arco supera a los clanes aliados, avergonzándolos. Es por ello por lo que discute con su madre y... Para saber cómo continúa tendrás que verla si no lo has hecho.

En esta película aparece un personaje muy emblemático. Podemos encontrar bastante parecido físico en este personaje (la bruja) que aparece en Brave con Yubaba. La bruja también hechiza a la madre de la protagonista, Mérida.

John Lasseter

John Lasseter podrá sonarte por títulos como Toy Story (1995), Cars (2006) o Bichos, una aventura en miniatura (1998). Lasseter trabaja, por tanto, en Pixar. En teoría no tendría nada que ver con Miyazaki o con Studio Ghibli, pero lo cierto es que Lasseter y Miyazaki tienen una gran amistad. Lasseter, de hecho, impresionado por la técnica de animación japonesa quiso inspirarse en ella para la creación de sus obras. De aquí nace Luxo Jr., conocido por ser la mascota de Pixar. Tanta es la amistad entre Miyazaki y Lasseter, que se cree que el farolillo que aparece en El viaje de Chihiro es un homenaje a Luxo Jr.

A la hora de distribuir El viaje de Chihiro fuera de Japón, Miyazaki pidió a Pixar y a Lasseter (quien ocupaba un cargo directivo) ayuda para doblar la cinta. Lasseter convenció a Disney para comprar los derechos de distribución.



Por último te dejo el tráiler:

¡Hasta aquí llega el post de este mes! Espero que te haya gustado, el mes que viene volveremos a vernos... ¡y feliz año nuevo!

T.