I'm Thinking of Ending Things

Me imagino que, al igual que mucha otra gente, verías I'm Thinking of Ending Things (Estoy pensando en dejarlo) cuando se estrenó hace unos días en Netflix. Si no lo has hecho aún, ya estás tardando. La verdad es que me resultaría extremadamente complicado explicar la película sin hacer spoilers, así que aviso a la de ya de que va a haber y no pocos (también te aviso de que va a ser un poco más largo de lo normal). 

Empezaremos por lo más básico: Se trata de una película estadounidense dirigida por Charlie Kaufman (ganador de un Oscar por el guion de Eternal Sunshine of the Spotless Mind en 2004). Es una adaptación, de hecho, de la novela homónima de Ian Reid. En el reparto contamos con actores y actrices como Jessie Buckley (Lucy), Jesse Pelmons (Jake), Toni Collete (madre de Jake) o David Thewlis (padre de Jake). Se la cataloga como un cine de suspense o terror psicológico. 

No te mentiré. Esta película es de esas que te dejan mirando la pantalla intentando averiguar qué demonios estás viendo. Además de esto, Kaufman te bombardea a cada segundo con una cantidad de información que solo es asumible si vas parando la película para apuntar (lo cual tuve que hacer treinta millones de veces para poder escribir este post). En este post te hablaré sobre esas referencias que he sido capaz de ver e intentaré darte una explicación, obviamente, desde mi punto de vista. 

Principalmente, hay que entender que se trata de una película con influencia surrealista, al igual que la propia novela. ¿Qué quiere decir esto? Que hay ciertas cosas que, aunque tú quieras buscarles un porqué, no lo tienen. No te calientes la cabeza, es así y punto. 

El surrealismo como vanguardia apareció tras la Primera guerra mundial (siempre hablamos del panorama europeo). Digamos que el surrealismo fue como una especie de "hijo" del dadaísmo. Bebía muchísimo del movimiento dada y esto es imprescindible saberlo para poder comprenderlo. Se caracterizó por ser un intento de plasmar aquello que se fragua en el subconsciente, en el mundo onírico (de hecho, en este momento se puso muy de moda la escritura automática). Como resultado, tenemos películas como Un perro andaluz (1929) o La edad de Oro (1930), ambas de Luis Buñuel. Si las has visto, ya puedes hacerte una idea de cómo es este movimiento. Esto, mezclado con un montaje poco usual, acentúa más esta sensación. 

Una vez dicho esto, comenzamos la película: En los primeros veinte segundos Kaufman ya nos da una pista de cómo va a ser toda la película. Nos muestra el famosísimo "efecto Kuleshov". Los formalistas soviéticos estaban convencidos de que el montaje es lo que constituye al cine como lenguaje (ni el guión, ni la actuación...) y le da un sentido a la película. Pensaban que si se cambiaba el orden del montaje, se podía cambiar una película (la historia) al completo. Para demostrarlo, Lev Kuleshov hizo un experimento con ello. En él se muestra al público una secuencia en la que se intercalaba la imagen de un actor (Mozzhujin) con las de un plato de sopa, un ataúd con una niña y una mujer en pose sugerente. A pesar de que la imagen del actor era siempre la misma, el público notó que la expresión de este cambiaba según la imagen que le siguiese. 

Como te decía, esto es una pista de cómo va a ser el resto de la película. Kaufman usa el montaje discontinuo como una manera de generar suspense e incomodar al espectador (algo que también se puede ver en el cine de Stanley Kubrick). Lo podemos ver, por ejemplo, cuando durante toda la película aparece y desaparece el perro de la familia o cuando van cambiando de edad durante todo el film. No hay una continuidad lógica, no hay raccord de movimiento, ni de sonido, ni de vestuario... Y eso descoloca mucho al público. 

Seguidamente, nos hace un recorrido por la casa en la que luego se desarrollará la acción mientras se oye una voz femenina. En este recorrido, se nos muestra muy claramente un cuadro colgado en la pared. Se trata de El caminante sobre el mar de nubes del pintor romántico alemán Friedrich. Dirás: ¿Y qué tiene que ver con la película? ¡Mucho, muchísimo! Y enseguida te contaré por qué. 

El caminante sobre el mar de nubes (1818)

Tenemos a Lucy, una joven que tiene un dilema consigo misma porque no sabe si dejar o no dejar a su novio, Jake. Precisamente, mientras se debate, se tiene que montar en el coche con él porque Jake quiere que Lucy conozca a sus padres. Durante el camino de ida, los personajes conversan mientras ella sigue teniendo ese debate interior. Sin embargo, mientras hablan vemos que hay cosas que no cuadran. Los personajes cambian de opinión en cuestión de segundos sobre diversos temas. Al principio, Lucy parece ser médica, luego periodista y luego poeta (de hecho, le recita un poema escrito por ella). Pero bueno, en general no hay nada de lo que alarmarse demasiado. 

En cuanto entramos a la casa de los padres de Jake, nos adentramos en un mundo casi de ensueño donde vemos a los diferentes personajes más mayores, más jóvenes e incluso muertos y poco después vivos de nuevo. Al igual que ocurre en nuestros sueños, Lucy no se desconcierta ante estas cosas. Tampoco lo hace cuando empieza a nevar en la escalera que da al sótano, cuando baja una escalera de dos tramos infinita, cuando ve nevar solamente encima de su coche... Sigue interactuando como si hubiera una linealidad y una lógica. De ahí que diga que contiene esa influencia surrealista conectada con el mundo onírico. 

Una vez nos metemos en esta atmósfera, los padres de Jake le preguntan a Lucy (quien pensábamos que era poeta) a qué se dedica, a lo que ella contesta que es pintora. Esto se uniría a esa referencia al arte que se hace al principio de la película con la pintura de Friedrich. Los padres le preguntan a Lucy qué tipo de arte hace y el personaje de Thewlis comenta su opinión sobre el arte abstracto, abriendo el debate de qué es arte y qué no, mostrándose a favor del arte académico y figurativo: 

Yo no sé mucho de arte, pero me gustan los cuadros en los que sabes lo que ves. ¿Cómo se llama...? ¡Abstracto! Eso no lo entiendo. Yo podría pintar abstracto, embadurnar con pintura un... ¿Cómo se llama...? ¡Un lienzo! Creo que es un engaño, a mi modo de ver... Me gustan los cuadros que parecen fotografías, eso no podría hacerlo ni en un millón de años. Eso es talento.

Jake, en cambio, contesta: ¿Por qué no buscas una fotografía si te gustan las fotografías? Es más rápido.

En esa frase tan cortita, Jake da una información espectacular. Hasta la creación y el surgimiento de la fotografía, el retrato era la única manera que se tenía de inmortalizar un momento concreto. Por ello, muchas familias poderosas (que se lo podían costear) encargaban a pintores famosos y no tan famosos que les representasen. Muchos de estos cuadros podían ser para regalo, para recordar un momento cumbre en su vida como una batalla... Un gran ejemplo de este tipo de pinturas serían aquellas pertenecientes a las familias reales. En el momento en el que surgió la fotografía, esto no era realmente necesario y cada vez más gente se podía permitir inmortalizarse. 

En cuanto al arte abstracto se refiere, así como cualquier arte vanguardista (como pequeño inciso: no tenemos que confundir figurativo con "entendible". Un cuadro puede ser figurativo y no ser entendible, ya que el autor ha utilizado una iconografía que solo es comprensible para él en ese cuadro concreto), se representa una idea, un sentimiento, un lugar, una sensación... Para que nos entendamos: ¿Qué siento yo cuando me dicen la palabra miedo? A lo mejor, tú lo relacionas con el color azul y yo con el color rojo; a lo mejor, tú lo relacionas con un acantilado y yo con el desorden que tengo en mi cabeza cuando no puedo tomar una decisión... Lo bonito, por así decirlo, de este tipo de arte es que existen mil interpretaciones diferentes, según quien lo mire. 

Continuando con la película, Lucy aclara que no es una artista abstracta: Pinto paisajes (...) Intento captar sobre todo la sensación de la luz y del ambiente. Yo intento infundirle a mi trabajo una especie de interioridad.

Tras esto, explica a qué se refiere con esa interioridad y aquí es donde conecta tanto con el trabajo de Friedrich. Según Lucy, ella pinta exteriores pero intenta plasmar en dichos paisajes lo que tiene ella en su interior en ese momento. Llega a ser similar a cómo concebían el arte los autores románticos y, de hecho, la pintura de Lucy recuerda mucho a estos artistas. A través de dicho paisaje, plasma cómo se siente en ese momento y lo llegan a comparar con El mundo de Cristina de Wyeth.  

El mundo de Cristina (1948)

Si te das cuenta, podemos encontrar similitudes entre este cuadro y el de Friedrich. El estilo, como puedes ver, es figurativo, realista. Observamos que hay gran detalle, al igual que en la pintura anterior. También vemos que se nos ofrece la figura de un personaje, en este caso una mujer, que mira hacia el horizonte. En este caso, el pintor quería enseñar al espectador la capacidad y fuerza de voluntad del ser humano para conquistar una vida y unos propósitos. Cristina era una mujer inválida que no utilizaba silla de ruedas y se arrastraba por su cuenta. El propio autor decía: Si he sido capaz de hacer que el espectador sintiera que su mundo puede ser limitado físicamente, pero de ninguna manera espiritualmente, entonces he logrado lo que me propuse hacer. En el caso de Friedrich, nos mostraría la inmensidad del mundo y la nada, frente a la pequeñez del ser humano. 

Todo esto es muy revelador para entender un poco la película. El director nos da continuas pistas de todo lo que está ocurriendo: la espiritualidad del ser humano sin límites (espíritu, imaginación, mente), la intranquilidad y sensación de ahogo que produce verse ante la inmensidad de la vida haciéndote sentir insignificante... Otras pistas que nos da Kaufman se encuentran durante el resto del recorrido por la casa. Llama especialmente la atención cuando Lucy empieza a mirar las fotos colgadas en la pared y se ve a sí misma, pero Jake le contesta que es él de pequeño. Recordemos que seguimos en un mundo de ensueño, en una especie de fantasía. Poco después, el director nos descubre que ese poema recitado por Lucy en el coche en realidad se trata de un libro que Jake tenía en su cuarto cuando era pequeño junto a las cenizas de su perro (sí, el perro que aparece y desaparece continuamente), titulado Rotten Perfect Mouth de Eva H. D. Después, Lucy se dirige al sótano (donde empieza a nevar en la escalera como decíamos antes) y encuentra un montón de posters de, precisamente, los cuadros que les había enseñado a los padres de Jake durante la cena como suyos. En realidad, se trata de la obra de Ralph Albert Blakelock. Junto a todo esto, se ven algunos lienzos pintados por Jake cuando era joven.

Moonlight, Indian Encampment (1885-1889)

Seguidamente, vemos Lucy consultando su teléfono y descubriendo que no hay fotos en la galería, mientras recita la siguiente frase Emerson: Nada es más raro en un hombre que un acto propio. Y también de Oscar Wilde: La mayoría de las personas son otras personas. Sus pensamientos son las opiniones de alguien más, sus vidas son una imitación, sus pasiones son una cita.

Seguidamente, se produce la llamada de una tal Louisa a su móvil, pero cuando contesta se oye la voz de un hombre mayor diciendo cosas como "solo hay un asunto que resolver", "tengo miedo", "me siento un poco loco", "no estoy lúcido"... A pesar de que Lucy en un primer momento se sintiera cómoda en dicho mundo de ensueño, vemos cómo cada vez se siente más incómoda y comienza a tener ansiedad poco antes de irse de la casa. 

En el camino de vuelta, entre todos los debates que tienen, Jake empieza a hablar de una película que le gustó (Una mujer bajo la influencia, de 1974), ya que piensa que a la sociedad le falta una cierta bondad o voluntad de admitir la lucha de otros causada por una sociedad desesperanzadora y alienante. Desesperanzadora con respecto a, por ejemplo, sentirse viejo, sentir cómo el cuerpo te abandona, tus sentidos, además de volverte invisible y verte obligado a intentar pensar que la edad es una cifra, que siempre hay una luz al final del túnel. Paran en Talsytown para comer helado, precisamente un envoltorio de dicho establecimiento aparece en la camioneta del anciano que estaba limpiando los pasillos del instituto durante la película. Se detienen en la heladería y ven a las dos chicas que se burlaban del conserje y ensayaban el musical Oklahoma! (1931), riéndose esta vez de Jake. 

Al llegar al instituto después de insistir durante bastante tiempo, Jake abandona a Lucy en la camioneta, obligándola a ir al interior del edificio a buscarle. Allí encuentra al conserje y luego a Jake. Tras observar una coreografía, vemos al conserje yendo hacia su camioneta y sufriendo una crisis. Recuerda a sus padres y diferentes episodios de su vida, dándose cuenta de que ya no hay marcha atrás. Se desnuda y sigue a un cerdo que está herido y siendo devorado por los gusanos (precisamente como aquellos que murieron en su granja). Durante el camino, el cerdo le va diciendo: No está mal cuando dejas de compadecerte porque solo eres un cerdo o... Aún peor, un cerdo infestado de gusanos. Alguien tiene que ser un cerdo infestado de gusanos, ¿no? ¿Y por qué no tú? (...) Yo sigo evolucionando, incluso siendo un recuerdo o un fantasma. Finalmente, vemos a Jake representando un musical ante un gran público. 

Entonces, ¿de qué va la película en definitiva? Va de Jake. De un anciano que es conserje en un instituto, que tiene problemas psicológicos y vive hastiado de su propia vida. Es infeliz y no puede dejar de imaginarse cómo podría haber sido su vida si hubiera tenido el coraje suficiente para hablar a aquella chica que le gustaba tanto (Lucy) y hubieran acabado juntos. Sin embargo, es consciente de que no puede volver atrás en el tiempo y que, como bien le dice el cerdo, hay que apechugar con las cartas que se te dan. Durante todo el film, el director nos mete en la mente del protagonista, caótica, desesperanzadora, fantasiosa y deprimente. Nos hace sentir el mismo ahogo y desasosiego que sufre Jake.

¡Y eso es todo! Sé que ha sido larguísimo, pero omitir tanta información me parecía fatal. Espero que hayas disfrutado el post y que si no has visto la película, te haya picado el gusanillo. Aquí he tratado los aspectos que a mí me parecieron más llamativos, pero hay mucho más. 

¡Hasta pronto!

T.

Nosferatu

¡Hola, cuánto tiempo! Te preguntarás dónde he estado... O tal vez no, pero yo te lo cuento igual. Tengo varios frentes abiertos ahora mismo, además de la universidad y este blog. Ya sabes lo que dicen: "el que mucho abarca, poco aprieta." Pero intentaré ser más constante como antes, lo juro.

Como bien has visto leyendo el título de este post, esta vez hablaremos de Nosferatu. Si eres muy fan del cine, la habrás visto. Si no, es posible que no la conozcas. ¡No tiene nada de malo! Aquí estamos para aprender. 

Veamos, ¿quién es Nosferatu y por qué es tan importante? 

Nos tendríamos que remontar a 1922. Período de entreguerras, expresionismo alemán. El cine de esta época conformó un estilo de vanguardia que influirá enormemente en el cine posterior. Como bien habrás podido adivinar, el cine expresionista alemán tiene una gran influencia del arte plástico expresionista. Esto se puede observar no solo en la trama de las películas, sino también en los decorados, la iluminación y demás aspectos técnicos. Como ocurría en el campo artístico, con el cine expresionista se pretendía plasmar los sentimientos y emociones antes que una una realidad objetiva. De esta manera nos podíamos encontrar decorados con líneas curvas, deformadas, formas puntiagudas... Como bien dice Paul Leni (director de cine expresionista alemán), se trataría de estilizar tanto los decorados, que cualquier parecido con la realidad sería pura casualidad. 

Todo esto tiene aspectos que recuerdan al teatro de Max Reinhardt. Él empezó a experimentar con la luz artificial y natural a la hora de otorgarle mayor importancia a ciertos personajes encima del escenario. También fue quien primeramente empezó a experimentar con los decorados que, posteriormente, derivarán en estas formas tan disparatadas que hablábamos antes. 

Pero no nos enrollemos más con la teoría. Centrémonos en la película en sí. Nosferatu, una sinfonía del horror (1922) fue dirigida por F. W. Murnau y escrita por el guionista de la película Golem (1915), Henrik Galeen. La banda sonora, como bien nos da a conocer el título, es de vital importancia para entender la película (ya que nos encontramos aún en la fase del cine mudo). 

En este blog nos gusta mucho ver las posibles referencias que tienen las películas con otras artes. En el caso de Nosferatu, tenemos multitud de guiños a artistas plásticos como Fiedrich, Franz Marc, Kubin o Munch. 

Luciano Berriatúa, quien se encargó de la restauración de la película, tiene un libro en el que habla de esto llamado "Los proverbios chinos de Murnau". Según Berriatúa, algunos de los paisajes que aparecen en la película podrían recordar a los pintados por Fiedrich. Un ejemplo lo veríamos en la parte en la que Nosferatu viaja en barco. En un momento de la película vemos la proa de ese barco, que nos recuerda mucho a un dibujo realizado por el artista. 

También vemos referencias a la pintura de Franz Marc en la parte en la que Nosferatu viaja en el carruaje de caballos y sobre todo de Kubin. Este artista tiene una obra llamada "Araña" que coincide en muchos aspectos con la parte en la que Hutter, el protagonista, entra por primera vez en el castillo del vampiro. Por otra parte, la casa que compra Nosferatu y en la que vive en la segunda mitad de la película, coincidiría con un dibujo de esa misma casa de Munch. 

Esta película fue inspirada, cómo no, por la historia de Drácula (1897) de Bram Stoker. Se sabe que fue la primera película que se hizo sobre vampiros en toda la historia del cine. ¿Que por qué lo llamaron Nosferatu en vez de Drácula? Por temas de derechos de autor. A partir de ella, pues... Ya conocéis el resto. Hoy en día existen decenas de películas referentes al mundo vampírico. Más allá de esto, tiene más influencia en nuestra cultura. Por ejemplo, Kubrick llegó a tomar influencias de esta película en su film La Naranja Mecánica (1971). La parte a la que nos referimos sería la parte en la que conducen a toda prisa en un coche, antes de asaltar una casa (recordaría mucho a la parte en la que Nosferatu viaja en carruaje, donde se utiliza el acelerado).  

Por otro lado, el personaje de Nosferatu en sí, ha hecho acto de presencia en algunos elementos audiovisuales de la actualidad, como Rick y Morty (2013-actualidad). En esta serie se hacen multitud de guiños a la historia del cine. Además del increíble parecido que guarda con el personaje, en ese capítulo Mini Rick y Morty matan al Profesor Feratu por ser un vampiro. Este vampiro que vemos en el vídeo, de hecho, se queja de que un vampiro que quiere pasar desapercibido lo último que tiene que hacer es ponerse el nombre de un vampiro del cine.

Otra de las muchas referencias que podemos encontrar, la veríamos en el Instagram de Sasha Velour, una drag queen ganadora de la novena temporada de RuPaul's Drag Race en 2017. Para Halloween, en octubre de este año pasado (2019) se caracterizó de algunos personajes de terror famosos, entre ellos el vampiro de nuestra película. 

Aquí puedes acceder a su publicación: foto

Finalmente, te dejo aquí las mejores escenas de la película a modo de "trailer" por si no la has visto y te despierta curiosidad. ¡Espero que te haya gustado el post! ¡Nos vemos pronto!

Leonora y Tilda

El post de este mes va a ser más corto que el resto, pero merece mucho la pena. Te traigo un homenaje poco conocido que la actriz y modelo británica Tilda Swinton (a la que habrás podido ver como la Bruja Blanca en Las crónicas de Narnia: el León, la Bruja y el Armario (2005), Tenemos que hablar de Kevin (2011), La playa (2000), El Gran Hotel Budapest (2014)...) hizo a la artista surrealista y escritora Leonora Carrington (1917-2011). Aquí tienes la portada de la revista en la que se publicaron las fotos, W Magazine. 

Katherine Matilda Swinton fue nominada al Globo de Oro en 2001 a mejor actriz dramática con The Deep End y en 2011 con Tenemos que hablar de Kevin. En 2007 ganó el Óscar y un premio BAFTA por su papel de reparto en Michael Clayton  y fue nominada ese mismo año también al Globo de Oro. Por nombrar algunos, porque ha sido nominada como un trillón de veces a muchos premios diferentes y ha sido ganadora de otros muchos.

Leonora Carrington junto a nombres como Dora Maar (1907-1997) o Remedios Varo (1908-1963) es de las artistas femeninas del surrealismo que más se conocen. Nació el 6 de abril de 1917 en un pueblo de Inglaterra. En 1936 ingresó en Ozenfant, una academia de arte en Londres. En 1937 conoció al artista Max Ernst (1891-1976), con quien vivió a partir de 1938 y la introdujo al movimiento surrealista. También conoció a grandes personalidades del movimiento como André Bretón (1896-1966), Salvador Dalí (1904-1989), Pablo Picasso (1881-1973), quien entre 1928 y 1932 se sumó al surrealismo o Joan Miró (1893-1983). En esta obra llamada La posada del Caballo del Alba (1936-1937) puedes ver un autorretrato suyo.

             El mundo mágico de los mayas, (1964) - Leonora Carrington 

En 2013 el fotógrafo de origen británico llamado Tim Walker hizo dicho tributo de ciertas obras escultóricas y pictóricas con Tilda como modelo dos años después de la muerte de la artista. A continuación pondré algunas de las diferentes fotografías y las obras en las que se inspiran si es que se inspira dicha instantánea en una obra en concreto.

La sesión fue hecha en el castillo surrealista de Edward James, que se sitúa en Xilitla, México. Fue vestida por firmas como Giorgio Armani, Prada, Louis Vuitton o Gucci. Dichas fotografías también se inspiraron en las obras de artistas como Giorgio de Chirico (1888-1978) o Remedios Varo, entre otros. 

   

Como curiosidad, Salvador Dalí también fue homenajeado por el fotógrafo con la siguiente instantánea inspirada en Rosa meditativa (1958) o en Retrato de Dolores Suero Falla (1955):

Y hasta aquí el post de este mes. No ha habido tanto que leer como de costumbre, ¡pero espero que, igualmente, te haya gustado! Hasta la próxima.

T.

Loving Vincent

   

¡Por fin volvernos a encontramos después de dos meses! La universidad, ya te podrás imaginar...

Esta vez te traigo un post sobre Loving Vincent, una película que se realizó este 2017 y que por fin se estrenará en España el 12 de enero de 2018, gracias a la productora  Karma Films. 

Primero hablaremos de Vincent van Gogh, para situarnos un poco en la trama. Fue un pintor neerlandés que vivió en la segunda mitad del 1800. Es considerado actualmente por los historiadores del arte como el padre de la pintura moderna, pero en vida, aun habiendo pintado unos 900 cuadros, solo logró vender una obra (a su hermano Theo, que le compró la obra a escondidas para darle una alegría) y vivió en la pobreza. Nadie valoró su arte en vida, pero influyó enormemente en los artistas del siglo XX. Sabiendo esto se puede entender claramente la reacción que tiene Van Gogh al visitar la galería en la que están expuestas sus obras en el episodio 10 de la quinta temporada (2010) de la serie Doctor Who:

Fue autodidacta. Desde joven tuvo predilección por el dibujo, de hecho, su primer trabajo fue en una galería de arte. En su vida estuvo muy presente la religión y llegó a ser pastor protestante. En su marcha como misionero comenzó a dibujar a la gente de la comunidad. Su primera gran obra data de 1885, Los comedores de patatas. 

La relación con su familia no fue muy agradable, pero sentía un gran afecto y admiración por su hermano Theo van Gogh, el cual era marchante de arte. A su hermano le manda cartas durante toda su vida, y gracias a la recopilación realizada por la mujer de éste, podemos entender mejor la personalidad del artista (se pueden encontrar en el libro Cartas a Theo). 

Van Gogh falleció a los 37 años por una herida de bala en el estómago, que aún no se sabe con certeza si fue un suicidio o un homicidio.

Si te interesa saber más, hay un libro muy completo que incluye tanto vida, como obra. Es Van Gogh. La obra completa - pintura de Bibliotheca Universalis. 

Volvamos Loving Vincent: ésta se trata de la primera película de animación completamente pintada, lo que la hace muy especial. Cada una de las 65.000 tomas que componen este largometraje biográfico es una obra pictórica realizada en óleo (recreando brillantemente la pintura de Van Gogh no solo en cuanto a material se refiere sino a la técnica empleada, los colores también son muy fieles a los utilizados por el artista). En dicho proyecto han trabajado más de 100 pintores. 

Dicho largometraje ha ganado el premio a Mejor Película Animada de los Premios del Cine Europeo en Berlín, ha sido nominada en los Globos de Oro y cuenta con la dirección de Dorota Kobiela y Hugh Welchman. Hasta el 17 de diciembre de 2017, se han recaudado más de 21 millones de dólares alrededor del mundo. 

En cuanto al argumento, cualquiera pensaría que trata sobre la vida de Van Gogh (interpretado por Robert Gulaczyk), pero no solo va de eso, sino también de la muerte del pintor. Un año después de que el artista falleciera, un cartero y protagonista de nuestra historia (por Douglas Booth) es el encargado de entregar la última carta del pintor a su hermano Theo (recordemos las numerosas cartas que Vincent mandó a Theo a lo largo de su vida). 

El joven cartero no conocía demasiado sobre la historia del remitente de dicha carta, pero sí que su padre sentía un gran afecto por él. Durante su aventura, va encontrando a distintos personajes que le van hablando del artista y exponiendo sus teorías sobre su muerte (aunque también le hablan de cómo era, su relación con los demás,...), como por ejemplo la enfermedad mental que sufría, aparte de la soledad a la que se enfrentó al ser repudiado por otros ciudadanos, algunos llegando a atormentar y humillar enormemente al artista. Aunque esto seguía sin explicar su muerte, ya que seis semanas antes envió una carta donde decía que su estado de ánimo era normal (si quieres descubrir el resto, tendrás que ir a verla, no haré spoiler).

Finalmente solo queda dejarte por aquí el trailer:

Espero que te haya gustado mucho el post, aunque haya sido cortito. Si no has visto esta película en versión original, te animo a que vayas al cine a partir del 12 de enero, no te dejará indiferente, visualmente es una película espectacular. ¡Nos vemos el mes que viene! Si te apetece, puedes dejarme tu opinión sobre la película en un comentario en este post o en mi Twitter.

¡Feliz año nuevo!

T.

El laberinto del Fauno

Ya es fin de mes, Halloween, y os lo traigo con una película hispano-mexicana que pega mucho para esta ocasión. De hecho, la incluí en el pequeño hilo que hice de Películas que ver en Halloween.

El laberinto del Fauno (2006) es una película dirigida, producida y escrita por el director, guionista, productor y novelista mexicano Guillermo del Toro, ganador de un premio Goya. Normalmente no suelo tratar este tipo de información en el blog, pero hay que decir que dicha película fue elegida para representar a México en los premios Óscar (ganó tres), también ganó tres premios BAFTA, siete premios Goya, diez premios Ariel, y el premio Sant Jordi a mejor película española. Guau. 

En Estados Unidos recibió el nombre de "Pan's Labyrinth" (el laberinto de Pan), porque la apariencia del Fauno es muy similar a la del semidiós griego Pan.

Esta película fue la que tuvo mejores críticas a nivel mundial en 2006, y es por algo. 

Para quien no haya visto la película, la historia transcurre en la España franquista y va sobre una niña llamada Ofelia (interpretada por Ivana Baquero), quien viaja con su madre (Ariadna Gil) a un pequeño pueblo del norte de España. La madre de Ofelia se casa con el capitán de la Policía Armada (Sergi López), encargado de acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana. La primera noche que pasan allí, Ofelia es visitada por un insecto que la lleva hacia un laberinto y... Ahí es donde empieza la parte que nos interesa. En dicho laberinto Ofelia corre una serie de aventuras y conoce a distintos seres fantásticos, como el Fauno o el Hombre Pálido (ambos interpretados por Doug Jones). Exacto, al contrario de lo que mucha gente piensa, el Fauno y el Hombre Pálido no están hechos a ordenador, sino que son una obra maestra del maquillaje.

Dicho film nos puede recordar un poco a Sleepy Hollow (1999) de Tim Burton, a Alicia en el país de las maravillas, los dibujos de Arthur Rackham, o a las pinturas negras de Francisco de Goya. Por ejemplo, sus similitudes con Alicia en el país de las maravillas son bastante visibles, como por ejemplo el hecho de que, al meterse en un túnel sea llevada a un mundo con seres fantásticos. 

Yo quiero hacer hincapié, sobre todo, en el Hombre Pálido. Guillermo del Toro publicaba en Twitter el 2 de febrero de este año: "El Hombre Pálido representa toda la crueldad institucional que se alimenta de los indefensos. No es accidental que sea a) Pálido, b) Hombre. " Es decir, se puede entender que del Toro lo utilizó como una forma de crítica a la supremacía del hombre blanco. El director fue apoyado por muchos de sus fans, pero también fue acusado de racista y sexista. 

Se cree que este personaje tiene vagas similitudes con Y'Golonac, un dios de los Mitos de Cthulhu, excepto porque tiene ojos en las palmas de las manos en lugar de bocas. 

Lo que sí podemos asegurar, es que Guillermo del Toro se inspiró en las pinturas negras de Goya para este film. Con exactitud, en la obra "Saturno devorando a un hijo", del pintor, para hacer la escena en la que el Hombre Pálido se come a las hadas que acompañan a Ofelia. Dicha obra representa a uno de los titanes de la mitología griega, Cronos (Saturno en la mitología romana), devorando a uno de sus hijos. A parte de que la apariencia del Hombre Pálido sea muy similar a la de Saturno, la forma en que el titán se comía a cada uno de sus hijos conforme nacían y la forma en la que se come el hada el Hombre Pálido, es muy similar. Tanto el hada como los hijos de Saturno, podrían representar la inocencia.

Hay quien ha relacionado al Hombre Pálido con la Iglesia y no sería muy descabellado si atendemos a la explicación de Guillermo del Toro, ya que es hombre y blanco y "representa toda la crueldad institucional" de éste. El hecho de que tenga un banquete delante de él y opte por comerse al hada, es muy significativo. 

El propio director ha confesado "He estado siempre muy influenciado por Goya, especialmente por sus pinturas negras que son, para mí, las más impresionantes." 

Además de esto, el director hizo un guiño a Pink Floyd, ya que la escena donde empieza a salir sangre de un libro después de que Ofelia lo abriese, está inspirada en "Is there anybody out there?" (aquí te dejo el enlace), perteneciente al álbum The Wall.

Por último solo queda poner el tráiler para que le eches un vistazo. Si no la has visto, ¡está recomendadísima!

Espero que te haya gustado mucho el post, ¡y vernos para el siguiente! Para más información me podéis encontrar en Twitter e Instagram.

¡Feliz Halloween!

T.

Margaret Keane

Este mes (me refiero a septiembre, he tenido problemas y no he podido subirlo antes) os traigo una película que precisamente no se la considera como una de las mejores del director Tim Burton, pero creo que es bastante interesante comentarla, así que... Aquí estamos. Esta película es, nada más y nada menos, que Big Eyes (Ojos grandes en Hispanoamérica). Tim Burton se basó en esta película en la biografía de Margaret Keane (interpretada por Amy Adams), haciendo hincapié en el calvario que tuvo que pasar. 

Margaret Keane es una artista estadounidense que actualmente tiene noventa años. Tuvo diferentes etapas como todo artista y en cada una de ellas tuvo una firma distinta, por ciertas circunstancias que se reflejan en la película. Por lo que se podría destacar su obra es por pintar mujeres, niños y animales domésticos con unos ojos exageradamente grandes. Alcanzó gran éxito en los años 60, justo en la época en la que transcurre el largometraje. 

En 1955 se casó con Walter Keane (interpretado por el gran Christoph Waltz) y por fin pintó su primer cuadro profesional en 1959. Walter por aquel entonces tenía un negocio inmobiliario que decidió cerrar para dedicarse a vender los dibujos y grabados de forma masiva. Aquí, su esposo se comenzó a atribuir la autoría de sus obras con la excusa de que Margaret firmaba como "Keane", y el público inmediatamente dio por hecho que Walter era el artista y no su mujer. Su marido en vez de desmentir esto, se atribuyó sus obras y se las daba de artista, la llegó a humillar y hasta la amenazó de muerte.

En un artículo del periódico El País, la artista contaba "Yo era extremadamente introvertida y solo me hacía feliz pintar. Y se aprovechó de eso. Antes de salir de casa me decía cosas como "estás horrible", o, si teníamos una cita "estás mejor con la boca cerrada." Pasaba los días encerrada en casa. Tardé un par de años en darme cuenta de lo que estaba haciendo. Una noche fuimos a un club de jazz donde él vendía los cuadros. Con su ritual habitual, me dijo que me quedara en un rincón y que no hablara con nadie para no avergonzarnos. Hasta que alguien se me acercó, la conversación derivó a la pintura y me preguntó: ¿Así que tú también pintas, como Walter?. Ahí estábamos. En un bar lleno de pinturas mías. Me sentí humillada." Una vez Margaret supo esto, Walter la amenazó con matarla a ella y a su hija si le contaba a alguien lo que estaba pasando, hasta que ella decidió poner tierra de por medio y se fugó a Hawaii. Entonces libró una dura batalla judicial por la autoría de sus cuadros (si quieres saber cómo acaba, tendrás que ver la película). En la foto puedes ver a Walter Keane haciendo el paripé.

Hablemos ahora de la banda sonora. Fue compuesta por Danny Elfman, quien habitualmente trabaja con Tim Burton desde 1985, con La gran aventura de Pee-Wee. También participó Lana del Rey, quien tras participar en las bandas sonoras de películas como Maléfica y El Gran Gatsby, se enamoró de la película en cuanto Tim Burton se la mostró. La cantante decidió participar en la banda sonora con dos canciones "Big Eyes" y "I can fly", esta última aparece en los créditos y no por casualidad, teniendo en cuenta la historia que se muestra. La canción "Big Eyes" muestra de una manera perfecta lo que Margaret sentía en ese momento, atrapando al espectador a mitad de la película. La canción fue nominada en los Premios Óscar. Te dejo ambas para que las escuches:

Realmente ninguna de las dos llega al nivelazo de "Young and beautiful", pero no se quedan muy atrás. Sobre todo la canción "I can fly" tuvo bastante éxito en su momento.

Personalmente me parece una película magnífica solo por la historia que cuenta. Cuando la vi en el cine me enamoré de ella y si no la has visto te recomiendo absolutamente que le eches un vistazo. Como sabes, yo no vengo aquí a hacerte una crítica de una película, sino a contarte su historia, sus entresijos y, con suerte, despertar tu curiosidad. Me parecía muy necesario que, si no conocías a Margaret Keane, lo hicieras.

Solo me queda dejarte el tráiler de la película. Y hasta aquí el post de este mes. Ya sabes lo que dicen, lo bueno si es breve... ¡Hasta la próxima!

T. 

Los mundos de Coraline

Nota: He dejado enlaces que te llevarán a distintas imágenes por el post. Los verás diferenciados porque están en un color rosado, pero no en negrita. Dicho esto, ¡que lo disfrutes! 

Todxs conocemos la película basada en la novela de Neil Gaiman Coraline (cuya edición con las ilustraciones de la película es una auténtica maravilla), escrita y dirigida por el director Henry Selick, del cual conoceréis películas como Pesadilla antes de Navidad (1993) o James y el melocotón gigante (1996). Efectivamente, si no sabías esto, resulta que Tim Burton no es una rara avis y, además, se le han atribuido películas de Henry Selick como las anteriormente nombradas. Sí que es cierto que Pesadilla antes de Navidad fue producida por Burton, pero no dirigida, como muchísima gente da por hecho. Y es que el nombre de Henry Selick aparece en el merchandisig o bien en letras pequeñas o ni eso. Debido a esto, cuando leemos en los pósters de Coraline "del director de Pesadilla antes de Navidad", todo el mundo piensa en Tim Burton, ¿verdad?

Pero ese no es el tema que nos interesa tratar en este post. 

¿Qué puede salir si mezclamos la pintura manierista, la Noche estrellada (1889) de van Gogh, una película de Vladislav Starévich y Alicia en el País de las Maravillas (1865)? 

Los mundos de Coraline (2009) es más que un film de animación de origen estadounidense. Incluso conozco a más de una persona que no la considera una película "muy allá", de hecho cuando se estrenó no causó mucho revuelo, pero es mucho más. Si no la has visto, esta película trata de una niña que suele llevar siempre un chubasquero y unas botas amarillas. Nuestra protagonista se muda a una vieja casa debido al trabajo de sus padres, dejando a sus amigos, su colegio,... Está muy aburrida porque sus padres viven inmersos en su trabajo, entonces Coraline se encuentra una muñeca que increíblemente es igual que ella... Y ahí es donde empieza todo.

Esta película hace referencia tanto al cine, como al arte plástico y literatura. No te resultará una sorpresa que diga que tiene similitudes con Alicia en el País de las Maravillas. Alicia, al igual que Coraline, curioseando porque no tenía a nadie con quien jugar, se cuela por una especie de túnel que la transporta a un mundo mágico con animales que hablan (el compañero de viaje de ambas es un gato parlante que las ayuda en todo su recorrido), hacen amigos con quienes toman el té, aparecen insectos hechos de chocolate o pan, o la famosa tela de araña. Es aquí cuando hablamos de las referencias a películas del director Vladislav Starévich (también lo podrás encontrar como Ladislaw Starewicz, Wladyslaw, Ladislas,...), quien hizo películas de animación con esqueletos de insectos, aunque también hay una fuerte influencia ahí de Alicia en el País de las Maravillas. 

Te dejo aquí The Cameraman's Revenge de Vladislav Starévich (1912) como ejemplo: 

Ahora hablaremos de arte plástico: La noche estrellada. ¿Dónde se hará referencia a ella? 

Situémonos en la película: Hay un momento en el que Coraline está soñando y se le aparecen los tres ángeles de los niños desaparecidos para hablar con ella. En dicho sueño, se puede apreciar claramente en el fondo que aparece ese guiño a la obra de van Gogh. A pesar de que no pongamos ejemplos hay quien dice que también se hacen guiños a artistas como pueden ser Monet o Degas por la paleta de color, o ciertos elementos en concreto que van apareciendo por el largometraje.

También hay un claro ejemplo del manierismo en la parte de la sorpresa que le prepara el otro padre a Coraline en el jardín (haciendo una de las tres maravillas que se hacen para ella), formando con distintas plantas y alimentos su cara. Justo de eso se encargaban ciertas corrientes del manierismo. Cabe decir que este estilo comenzó como la imitación de la maniera de los grandes maestros como pueden ser Miguel Ángel o Tiziano, pero posteriormente se entendió como una rebelión contra el modelo de belleza renacentista, por lo que los artistas empezaron a pintar "a su maniera". Sus cuadros se caracterizaban por formar retratos con frutas, verduras, hortalizas, flores,... Aunque no por esto todos los artistas manieristas pintaban cuadros con dichas características. 

Por último, aparte de todas estas referencias al arte y sobretodo a artistas impresionistas, no hay que dejar a un lado el hecho de que se hagan tantas referencias al mundo onírico en la película, las cuales pueden relacionarse con tendencias artísticas posteriores a ésta. También aparece la cuestión (como ocurre en Alicia en el País de las Maravillas) sobre qué separa la realidad de lo que no lo es, siendo así el mundo de nuestros sueños más real que el que conocemos en estado de vigilia o viceversa. Esto puede verse en el momento en el que ese mundo sigue siendo real una vez Coraline está despierta. 

Y hasta aquí todo. Esta vez ha sido más breve, pero igualmente espero que haya despertado tu curiosidad si no has visto la película y si la has visto también. ¡Nos vemos en el próximo post! Para más información sobre futuras publicaciones: Instagram y Twitter.

T.